Predators, de Nimród Antal (5)

Una nueva película del monstruo que ya conocemos, pero lejos de la franquicia que nos acosaba junto con los bichos de Alien, intenta recuperar el espíritu de serie B cuando el "predator" se las tuvo que ver con Schwarzenegger allá por los años 80. Digo intenta porque a pesar de que ya conocemos la historia hace décadas, en este Predators de Nimrod Antal (y producido por Robert Rodríguez), se nota un esfuerzo por volver a la fuente original de John McTiernan. El bicho no aparece hasta casi el final, la acción se ve eclipsada por el suspense y el agobio ambiental, no es demasiado gore, pero... es una película sin sorpresas. Pese a la buena voluntad de director y productor, con un grupo coral actoral muy eficaz (con un testosteronado Adrien Brody como émulo del gobernador de California) se nota que hay un intento sincero pero no llega a donde quieren puede que por la propia saturación del producto, que una vez conseguida, difícilmente es posible volver al estado puro inicial. Además se encuentran a faltar los toques de humor característicos en los productos de Robert Rodriguez, es demasiado básico y a pesar de que no carece de una cierta dignidad para los amantes del género, hay algunos fallos garrafales de guión y el climax final (spoiler) no debía haberse alargado con ese giro del todo innecesario (fin del spoiler).

Un juego de inteligencia, de Hans Weingartner (6,5)

Estamos ante una película ambivalente que genera diversas lecturas. Por una parte, la más positiva, hay una denuncia social en Un juego de inteligencia con propuesta de cambio, y eso es algo que se agradece de veras en el cine actual, tan falto de ese espíritu. La propuesta es algo sabido, la televisión atonta, la televisión basura genera descerebrados pero la audiencia manda. Se seguirá haciendo TV basura mientras la gente la consuma. ¿Que pasaría si manipulásemos los índices de audiencia en función de que la propuesta televisiva fuera más cultural? Este planteamiento que confronta los "realitys" a la programación del cine de Fassbinder en "prime time" es interesante, no tan solo para hacerlo a nosotros mismos en un momento de reflexión, sino incluso para programar la película en los colegios, como afectan en nosotros los mass media y la televisión en particular. Pero por otra parte el planteamiento del film, el guión se nos muestra de lo más poco profundo y en un tono de fábula excesivamente increíble donde los inadaptados sociales pueden con todo y con todos de una manera infantil, e incluso pasa por temas complejos con un aparente tono de parodia que no creemos que fuese el planteamiento buscado por su director Hans Weingartner (Los edukadores). La sensación de dispersión se hace presente en varios momentos de la cinta a pesar del esfuerzo notable del protagonista Moritz Bleibtreu (El experimento, Soul Kitchen,...) que se nos muestra como un gran actor a cada film en que participa, rodeado de comparsas que se intuyen más como personajes humorísticos que no como el rol que parece que deberían interpretar.
En definitiva una película que tiene aspectos valorables desde varias perspectivas pero no precisamente como película en sí. La inteligencia del título parece que se desvanece más por la indolencia del tratamiento del guión que en si con la plasmación de su trabajo.

Inception (Origen), de Christopher Nolan (7,5)

Puede que a algunos no les gusten las grandes producciones de Hollywood porque las encuentren carentes de autenticidad, pero con Inception (Origen), Christopher Nolan consiguen dignificar las grandes producciones que por lo general decepcionan. No es una obra maestra, le falta bastante para serlo, pero realmente es un producto de lo más digno como opción este verano tan famélico de cosas interesantes que llevarse a los ojos. Puede gustar más o menos, pero nadie que haya ido a la sala pensará que le han tomado el pelo, que ha tirado el dinero (a pesar de que no le guste). Nolan ya nos planteó un reto a nuestra capacidad en Memento, y ahora lo vuelve a hacer no desde los recuerdos sino con la posibilidad de quitar y poner ideas en nuestra cabeza a través de los sueños. La trama es compleja pero no complicada y resulta algo pesado que en el guión se intente explicar tantas veces. Adolece de algunas cosas pero tiene otras bien realizadas y el resultado final es que no me importaría volver a verla en cine para fijarme en los detalles. Los efectos visuales son desbordantes pero en ningún momento la película se apoya en ellos, hay un guión, un intento de profundidad que no quiere escudarse en ellos (algo mal resuelto por excesivo con sobre explicación, como si Nolan pensara que podía perder a los espectadores como en Memento). La música está a la altura de la película y los actores destacan por encima de todo, y a pesar de ser un reparto bastante coral, Leonardo DiCapri sigue demostrando que es un grandísimo actor a pesar de que reparte filias y fobias por igual. Marion Cotillard está excelente, Ellen Page no deja de sonarnos a Juno pero era necesario ese punto de inocencia que despide tras sus poros, Ken Watanabe se acerca a la réplica de Leonardo, Joseph Gordon-Lewitt tiene alguna escena memorable como la batalla en gravedad cero o el arte de hacer paquetes con personas, el regalo que le hace Nolan a un decadente Tom Berenguer y lamentamos que el gran, el enorme Michael Caine tenga tan solo un papel testimonial. En definitiva, recomendamos la película por su bella factura, su ritmo, su intento de profundidad, sus actores, su banda sonora y algunas otras virtudes. Todo ello no cuaja de una manera sublime pero te hace pasar el rato pensando (sobre el tiempo, los sueños, propuestas morales o sobre si te vas a perder en algún momento) a la vez que disfrutando visualmente. No es el mejor Nolan, pero es una digna obra que volveremos a revisar con lupa en breve ya que combina acción trepidante, thriller psicológico y ciencia ficción junto con una historia de amor; supongo que por eso pensó que debería pasar de las dos horas de rigor y fue alargando el climax un poco más, pero se le perdona.

London River, de Rachid Bouchareb (5,5)

London River, de Rachid Bouchareb nos pone en un escenario terrorífico, no sólo porque sus personajes sean familiares de las víctimas del terrorismo, sino porque se sitúan en ese infierno que es la incertidumbre. Ese particular infierno de los que buscan y no encuentran, los que desconocen lo que ha deparado la fortuna y se niegan a aceptar la fatalidad. El racismo es otro de los temas que tienen un peso importante, pero que no se ha sabido captar en absoluto ya que retrata a los inmigrantes de un modo muy poco realista, y la actitud racista de la protagonista, excesivamente melodramática. Como suele suceder en las películas de autor, lo destacado por el público son los actores Brenda Blethyn, que lleva el peso de toda la película y Sotigui Kouyaté, que lo que aporta sobretodo es presencia ya que en muchas ocasiones simplemente está en el encuadre y no refleja apenas emociones. Personajes muy alejados entre sí que se encuentran de manera parsimoniosa que no aspira ser una narración épica, pero tampoco se adentra en ninguno de los aspectos de los que toca. Se echan de menos algunos detalles que hubiesen podido dar mucho más de si, ya que en ocasiones se puede pensar que hubiese sido un excelentísimo cortometraje, pero también puede ser un interesante ejercicio de reflexión al espectador que esté atento a la pantalla.

Gainsbourg (vida de un héroe), de Joann Sfar (7,5)

Estamos ante una película altamente recomendable y que no se debería dejar pasar así como así. En ella se da un repaso a los momentos cruciales de la vida de Serge Gainsbourg, o mejor dicho, al personaje que creó ante los medios de comunicación, pero no se trata de un biopic al uso, sino de un modo fantasioso y cercano al cuento, no en vano el director de la película Gainsbourg (vida de un héroe), Joann Sfar también se dedica al mundo del cómic, y eso se nota. A la vez que nos muestra esos momentos de la vida de Gainsbourg en los que no profundiza, y eso se agradece, se alternan momentos en que realidad y fantasía se fusionan. El resultado no es una obra de arte, pero es lo suficientemente estimulante como para pasar un buen rato mientras se disfruta de una banda sonora que hará las delicias de los espectadores de cierta edad. Lo más sorprendente y quizás lo mejor del film sea la interpretación de Eric Elmosnino. Su interpretación es prodigiosa y su parecido es más que razonable y adopta todos aquellos tics del cantante de una manera realmente apabullante sin caer en la parodia en ningún momento. También resulta sorprendente cómo logra parecerse Laetitia Casta a BB. Una buena opción en un verano algo aburrido en las carteleras, comme d'habitude y una excelente ocasión para empezar a descubrir la vida de este gran crápula que si en vez de francés hubiese sido americano, hace años que ya se habrían hecho películas sobre él.

PATRICIA NEAL (1926-2010)

A pesar de no ser una de las actrices más conocidas de Hollywood, Patricia Neal ha participado en algunas películas míticas, como El manantial (1949), de King Vidor y junto a Gary Cooper (por cierto, una obra maestra), también en Desayuno con diamantes (1963) de Blake Edwards, Ultimátum a la tierra (1951) de Robert Wise donde conoció al que seria su marido, el escritor Roal Dahl o Hud (1963) de Martin Ritt y junto a Paul Newman que le valió un Oscar de la academia.

Dos películas innecesarias

Con la canícula arrasando las calles de los lugares habitados, el paseante necesitado de descanso y una buena ración de aire acondicionado se mete en el primer cine que encuentra, sólo así puede justificarse la visión de algo como Noche y día de James Mangold, película de dentaduras impolutas, vacío de ideas y de efectos de vergüenza. Esta mezcolanza de thriller romántico y película de aventuras inverosímiles con dos actores, Cameron Díaz y Tom Cruise, que tienen menos química entre ellos que la versión infantil de quimicefa no aporta absolutamente nada, aburre y a pesar de cierta factura de buen nivel en algún tramo y te hace arrepentir de haber escogido la opción cine refrigerado antes que el infierno de asfalto. Ni siquiera se trata de una película palomitera. Es de mención lo cutre de los efectos de los San Fermines de Sevilla, si, no me equivoco, la localización es tan mala como la ejecución de los efectos.

La otra opción que aquí desaconsejamos fue visionada no por fuerza mayor, como la otra sino como elección, se trata del intento de renovación de la saga de Freddy, un film totalmente innecesario. Pesadilla en Elm Street: el origen de Samuel Bayer no aporta absolutamente nada al personaje (más bien al contrario) le despoja de todo el humor negro y enfermizo del personaje que en su día bordó Robert Englund y lo convierte en un cuento para asustar a niños pequeños al rededor de una fogata. A pesar del empeño de Jakie Earle Halley (Rorschard en Watchmen), la película se olvida incluso antes de salir del cine y no aporta ni un solo elemento que no conociéramos ya de la saga, a diferencia del remake de Halloween de Rob Zombie que nos acerca a la infancia del personaje de Michael Mayers. La factura y el resto, tampoco harán destacar a este director con nombre de aspirina.

El mundo del gran RAY HARRYHAUSEN

Aprovechando que Ray Harryhausen ha cumplido 90 años el Museo del Cine de Londres le ha dedicado una exposición antológica (ved aquí) y en Los Angeles, su ciudad natal, también se está celebrando otra exposición con parte de su obra en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (ved aquí). En el mundo del cine donde la tecnología avanza a marchas forzadas (3D) y donde muchas veces se utiliza gran parafernalia tecnológica y digital para esconder una alarmante falta de ideas, la figura de Ray Harryhausen aparece como un faro en la noche, como el artesano del cine que tiraba de ingenio para salir adelante de las más impensables empresas.
Jason y los Argonautas, Furia de Titanes, Simbad y la princesa, Los viajes de Gulliver o La isla misteriosa son algunas de las películas a las que él puso su talento y saber hacer para que la imaginación de millones de personas su pusiera a funcionar al ver sus creaciones a partir del "stop motion" o el "dynamotion", las técnicas que inventó y perfeccionó para animar a sus criaturas en la gran pantalla. Vistas hoy por las nuevas generaciones pueden parecer irrisorias si las comparamos con la infografía con que se adornan los nuevos lanzamientos, pero mirándolas con otros ojos vemos auténtica arqueología cinéfila y encontramos ese regusto a artesanía en una época en que el control sobre el producto era más una cosa de genio, de artista, que no de presupuesto.
Para disfrutar más de la obra de Harryhausen ved estos dos links: la página web oficial y página de los fans.

CICLO AKIRA KUROSAWA

La Casa Asia de Barcelona está celebrando un ciclo de cine sobre Akira Kurosawa (1910-1998) que va desde los años 40 hasta los 60, que se completará en octubre con un segundo ciclo que abarca algunos de sus títulos posteriores. Este es considerado el año Kurosawa al coincidir con el centenario del nacimiento del aclamado director.
Kurosawa es con todo merecimiento el director japonés más reconocido a escala mundial (con todos los respetos a Ozu y el resto), no sólo por su originalidad, calidad e influencia dentro del cine japonés sino porqué, sin duda alguna, nos encontramos ante uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Su influencia va mucho más allá del cine japonés e impregna a cualquier cinéfilo que se tenga como tal, ya sea director o simple aficionado.
La amplitud de los temas tratados, la diversidad de las influencias artísticas recibidas (Shakespeare, Tolstoi, Dostoievski, Gorki, Simenon, Esquilo, el Kabuki, el western, Capra, Wyler, Hawks, i el seu director favorit, John Ford) hacen de su cine una obra universal que trasciende totalmente un universo japonés que sirve para centrar la acción, pero podría tratarse de cualquier parte del mundo y en cualquier época, ya que sus referentes son totalmente atemporales y de un humanismo desbordante. Viendo sólo una pequeña muestra de los autores que le citan (casi siempre más con veneración que con admiración) como referente e influencia directa, nos damos cuenta que cuando hablamos de Kurosawa debemos hacerlo mientras realizamos una reverencia y genuflexión; no puede ser que tantos y tan grandes autores estén de acuerdo en algo por casualidad:
Sergio Leone, Andrei Tarkovski, Satyajit Rai (trilogia de Apu), Ingmar Bergman, Federico Fellini, Bernardo Bertolucci, Robert Altman, Sidney Lumet, Sam Peckinpah, Roman Polanski, Steven Spielberg, George Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Shang Yimou, Takeshi Kitano, Werner Herzog, Spike Lee, Abbas Kiarostami, Quentin Tarantino, ... no conocemos nadie que provoque tanta unanimidad a la hora de alabarlo y reconocer la influencia grande o muy grande en su propia obra.
En cuanto a lo que su filmografía se refiere, ha sido motivo de reconocimiento mundial tanto por parte del público como de la crítica, como no podía ser de otro modo, y su cine ha sido plagiado u "homenajeado" en muchas ocasiones y en muchos lugares. Entre sus muchas obras destacaremos: Yojimbo (1961), Rashomon (1950), Los siete samurais (1954), Trono de sangre (1957), Dersu Uzala (1975), Ran (1985), Vivir (1952), Kagemusha (1980), etc...
Si vivís en Barcelona pasaos por La Casa Asia para ver la programación (o en su página web) y si no, siempre es un buen momento para visionar sus películas a través del dvd. Siempre es un buen momento para ver cualquier película de Kurosawa, sobretodo descubrirlo, que produce un placer como pocos, y por mucho que ya las hayáis visto, cada vez que se vuelven a ver, se descubren cosas nuevas que antes nos pasaron desapercibidas,. Su sutileza es exquisita, así como su maestría tras la cámara. Maestro, felicidades!!!

HUMPHREY BOGART

Bogart ejemplifica el tipo duro pero sensible lleno de cinismo y con un alto grado de melancolía, un cinismo que no es más que un coraza con la que protegerse de este mundo tan incomprensible.

Humphrey Bogart nació el 23 de enero en 1899 en Nueva York en el seno de una familia de clase media. Participó en la Primera Guerra Mundial donde sufrió un accidente que le semiparalizó su labio superior, lo que le otorgó esa peculiar forma de hablar.

Al acabar la guerra y tras pasar por Broadway sin mucho éxito se trasladó a Hollywood, en donde debutó en el cine en "A devil with women" (1930). Sin embargo, esto no fue más que el comienzo y hasta llegar a esa imagen de hombre curtido por el crujir de los días, un tipo que ha visto demasiado y que está de vuelta de tantas cosas, intervino la madre de todas las ciencias: el azar.

La primera intervención de la fortuna fue cuando Archie Mayo consideró que Bogart podía repetir en el cine el personaje que ya había encarnado en el teatro en El bosque petrificado. Bogart realiza una interpretación enloquecida de un gangster amargado, con el gesto contraído, los brazos mortecinos y rígidos, con un aire chulesco y desquiciado que llama la atención. Bogart se encasilló en una serie de papeles de gangster de segunda, de villano de mediopelo o similares en películas para la Warner como Dead End (1937) de William Wyler, Angeles con caras sucias (1938) de Michael Curtiz o Los violentos años veinte (1939) de Raoul Walsh, estas ultimas junto a James Cagney.

Su segundo golpe de suerte llega con El último refugio (1941) de Raoul Walsh, cuando Bogart ya tenia más de cuarenta años a punto de diluirse entre tanto cine policíaco. Era su último cartucho, como el personaje de la película, Roy Earle, un gangster en su ocaso, alguien que da sus últimos coletazos en una sociedad que no le acepta, una interpretación memorable que le permitió ese mismo año interpretar la que se considera película fundacional del género negro: El halcón maltés, de John Houston. Fue la aparición de un nuevo Bogart, con todas las características que le acompañarían en los personajes que interpretaría desde entonces y que le convirtieron en mito y en la imagen que hoy tenemos de él. Era un personaje duro pero a la vez que soñador y romántico, con un código ético muy personal y único.

Al año siguiente, "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz haría de él un ídolo y un mito para todas las generaciones cinéfilas. Los títulos en los años 40 (además de los citados) son sobrecogedores: "Sahara" (1943) de Zoltan Korda, "Tener y no tener" (1944) -otro título clave ya que conocería al amor de su vida, Lauren Bacall- de Howard Hawks y "El sueño eterno" (1946) de Howard Hawks, donde se convierte para siempre en Philip Marlowe, un personaje que escupe unos diálogos impregnados de un sentido del humor agrio, hiriente, que revelan su desconfianza en el género humano, a la par que muestra su enorme atractivo hacia las mujeres; es este un film de atmósfera, de ambiente, donde predomina la oscuridad, las calles húmedas, los tonos sombríos como si todo fuera una metáfora del ambiente de corrupción y decadencia generalizada del que emerge la integridad de Marlowe. Siguió su trayectoria con "La senda tenebrosa" (1947) de Delmer Daves, "Callejón sin salida" (1947) de John Cromwell, "Cayo Largo" (1948) de John Huston, "El tesoro de Sierra Madre" (1948) de nuevo con Huston, con quien tenía una gran relación de amistad y alcohol,o "Llamad a cualquier puerta" (1949) de Nicholas Ray.

Si los cuarenta fueron buenos los cincuenta serían también por el mismo estilo en su primera mitad ya que el fatal desenlace de su enfermedad nos privaría del gran Bogey para siempre. "En un lugar solitario" (1950) de Ray, donde la imagen de Bogart caminando por una calle humeda al amanecer queda para la posteridad, "La reina de Africa" (1951) de John Houston, quintaesencia de las ganas de vivir, "El cuarto poder" (1952), una historia sobre el periodismo de Richard Brooks, "La condesa descalza" (1954) de John L. Mankiewicz, con un Bogart inolvidable recordando a Ava Gardner en un cementerio mientras la lluvia se desliza por su sempiterna gabardina, "La burla del diablo" (1954) de John Huston, "El motín del Caine" (1954) de Edward Dmytryk, "Sabrina" (1954) de Billy Wilder, "Horas desesperadas" (1955) de William Wyler y su último film, ambientado en el boxeo "Más dura será la caída" (1956) de Mark Robson suponen los últimos títulos de una filmografíí intachable en la que se podrían citar todos los títulos porque la presencia de este hombre en la pantalla es el CINE mismo.

DENNIS HOPPER (1936 - 2010)

Ha muerto uno de los iconos del siglo XX del cine, el actor y director Dennis Lee Hopper. Sus apariciones míticas en cintas como Gigante,
Rebelde sin causa, Apocalypse now, Blue Velvet o en Easy Rider, donde también debuto como director, han sido referencia del mundo del cine y donde se atrevió con otras disciplinas notablemente, como la fotografía entre otras. Muere uno de los actores de carácter de la segunda parte del siglo XX, carácter que le llevó a pronunciarse políticamente en un país donde tener según qué ideas o pensamientos puede hacerte perder contratos de trabajo. Con el adiós a Hopper también decimos adiós al estandarte de la contracultura que tanto tuvo que ver con los años 60. Easy rider vista desde hoy parece una película poco interesante, pero en su contexto tuvo la importancia que tuvo, que no fue poca.

CANINO (Kynodontas), de Yorgos Lanthimos

Una grata sorpresa, una de esas películas que sorprenden y agradan, la griega Dogtooth (Canino) de Yorgos Lanthimos, sangre fresca para el cine con una propuesta tan personal como inteligente y que romperá los esquemas de los que la presencien. En ocasiones pasas de la sensación más hilarante a la observación turbadora de elementos que dan mucho que pensar sobre la educación, la importancia del lenguaje, etc. El plano fijo y la ausencia de banda sonora, ayudan mucho a este ejercicio tan sugerente y lleno de sorpresas, como el inesperado final, que a buen seguro a nadie deja indiferente. Muy buena elección para mentes inteligentes que buscan en el cine algo más que pasar el rato.
[Extracto de la crónica de Cinéfilos Natos del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Sitges que se publicada en octubre.]

Añadir que se trata de una película muy poco convencional, surrealista, pero que se le pueden hacer infinidad de lecturas en un mundo absurdo aunque en otros términos. ¿Cómo puede el peso de una educación, que pretende preservar la inocencia, ser la desencadenante de los hechos más abyectos?. ¿Cómo de fundamental es el lenguaje en el pensamiento?, ¿cómo la conducta humana puede llegar a ser determinante en las elecciones?, ¿como puede distorsionar la educación el cine?, ¿de que manera puede evitarse lo inevitable?, ¿Puede privarse a los individuos de la sociedad? son algunas de las cuestiones que la película parece plantear sin contestar a ninguna porque la propuesta no parece verosímil, pero si tremendamente sugerente. Os recomendamos esta perla del Festival de Sitges que a nosotros nos encantó pero también os advertimos que no es una película fácil tampoco. Ahora que Grecia está sumida en una situación económica comprometida, puede que sea una buena idea ver una película de esta nacionalidad que llega a nuestras pantallas (no suele ser muy frecuente) y de esta manera y de manera inapreciable, podemos ayudar potenciando su cultura (si, puede que demagógico, pero ¿a que ha quedado bien?).

Ciudad de Vida y Muerte, de Li Chuan

Estamos ante una película tremenda, Ciudad de Vida y Muerte, la ganadora de la Concha de Oro en el Festival Internacional de San Sebastian. Se han dicho bastantes cosas de ella, pero yo creo que lo mejor es que los que lean este blog y quieran hacer algo de caso, vayan a verla inmediatamente, merece la pena. No creo que deje a nadie indiferente, ni que nadie pueda decir que no ha valido la pena pagar lo que piden a los cines. Sólo la fotografía ya merece la pena, con un blanco y negro fantástico que narra bellamente acontecimientos tan siniestros. No vamos a mojarnos aquí sobre la película para no entrar en la polémica sobre si se trata de propaganda o no, pero creo que a estas alturas denunciar la barbarie de cualquier conflicto bélico, es ya de perogrullo. La acción se sitúa en la guerra que enfrentó a Japón con la China en la década de los 30, y la invasión de los primeros de la capital de la China en aquel entonces, Nanking, y las posteriores atrocidades que se llevan a cabo en un pequeño campo de refugiados improvisado donde algunos occidentales intentan salvarse y ayudar a las personas de su entorno. Tampoco queremos entrar en el debate sobre hasta que punto esta Spielberizada esta película, seguro que tiene ciertas concomitancias, pero tampoco tantas como se han dicho. Hay bondades y faltas en la película, pero vale la pena verlo aunque sólo sea por la puesta en escena.

Como queja tan solo hablar de la falta de profundidad de la mayoría de personajes, que ante el catálogo de atrocidades, no parecen desarrollarse más que de una manera muy burda, muy tópica. Por otro lado, para compensar, puede que sea una de las películas en que más se homenajea a las mujeres víctimas de la guerra, que en este tipo de películas suelen hacer papeles de comparsa.
En definitiva, os apremiamos a que la veáis con espíritu crítico y si os apetece, nos explicáis que os ha parecido.

El resurgir de VINCENT

Hace un tiempo que Vincent cut's no os pone al día de las novedades del mundo del cortometraje. Después de un periodo de reflexión, o de descanso, o de... vuelve con renovadas energías.
Y empezará por el recién finalizado festival de cine de Málaga.

13 FESTIVAL DE MÁLAGA DE CINE ESPAÑOL

El tránsito, de León Siminiani, Biznaga de plata al mejor cortometraje
Sinopsis: Versión no oficial y clasificada de la hora punta y sus consecuencias en la vida del hombre moderno.
Genio y figura, de Hatem Khraiche Ruiz-Zorrilla, ha obtenido el premio Especial del Jurado.
Sinopsis: Unos padres intentan convencer a su hija para que se presente a un casting que le permita ser famosa. Unos soldados deciden en la trinchera cuál de ellos debe jugarse la vida afuera para pedir ayuda. Y una ejecutiva de televisión negocia la compra de una misteriosa figura que adornará su dormitorio.

Miguel Ángel Jenner, protagoniza en La historia de siempre, de José Luis Montesinos, ha sido galardonado con el premio al Mejor Actor.
Sinopsis: Un hombre hace todo lo que está en su mano para recuperar a su mujer y así resolver su crisis. Trailer aquí.

Carmen Ruiz ha conseguido el galardón a la mejor actriz por su interpretación en La rubia de Pinos Puente, de Vicente Villanueva.
Sinopsis: Yo nací en Pinos Puente, pero de pequeña me trajeron aquí. Este corto también ha logrado el Premio del Público. Verlo entero aquí.

Voltereta, de Alexis Morante, ha recibido el Premio del Público Nuevo Talento FNAC.
Sinopsis: algunas veces una simple decisión puede cambiar el resto de tu vida. Trailer aquí.

El premio a la Mejor Dirección ha sido para Beatriz Sanchis por Mi otra mitad.
Sinopsis: A Andrea y Adrián les une algo desde el mismo momento de su nacimiento, una inusual deformación óptica que les hace ver el mundo de una manera incompleta y complementaria a la vez. Los dos saben de la existencia del otro, ya que les trata la misma oculista, Sophie, y desde pequeños han fantaseado con la idea de encontrar algún día a "su otra mitad". Trailer aquí.

Para terminar, Las cinco muertes de Ibrahim Gonzales, de Pablo Aragües, y Pichis, de Marta Aledo, han sido reconocidas con las menciones especiales del jurado.
En la primera, tras un accidente doméstico, Ibrahim pasa un minuto clínicamente muerto. (Ver aquí) y en la segunda, una madrugada de viernes. Cuenca. Puerta trasera del "Cave Canem". Bar de toda la vida de una pandilla de amigos. Hoy es la despedida de soltera de una de ellas, María Victoria. Se casa con un francés. Barra libre hasta las dos. Qué noche más larga. Golpetazos del pasado. Cientos de conversaciones pendientes. Trenecitos, música de los 80...Héctor sale fuera a fumar... Vedlo aquí

Seguiremos informando de próximos festivales, cortometrajes, noticias... Esperamos seguir contando con vuestro apoyo.