CICLO AKIRA KUROSAWA

La Casa Asia de Barcelona está celebrando un ciclo de cine sobre Akira Kurosawa (1910-1998) que va desde los años 40 hasta los 60, que se completará en octubre con un segundo ciclo que abarca algunos de sus títulos posteriores. Este es considerado el año Kurosawa al coincidir con el centenario del nacimiento del aclamado director.
Kurosawa es con todo merecimiento el director japonés más reconocido a escala mundial (con todos los respetos a Ozu y el resto), no sólo por su originalidad, calidad e influencia dentro del cine japonés sino porqué, sin duda alguna, nos encontramos ante uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Su influencia va mucho más allá del cine japonés e impregna a cualquier cinéfilo que se tenga como tal, ya sea director o simple aficionado.
La amplitud de los temas tratados, la diversidad de las influencias artísticas recibidas (Shakespeare, Tolstoi, Dostoievski, Gorki, Simenon, Esquilo, el Kabuki, el western, Capra, Wyler, Hawks, i el seu director favorit, John Ford) hacen de su cine una obra universal que trasciende totalmente un universo japonés que sirve para centrar la acción, pero podría tratarse de cualquier parte del mundo y en cualquier época, ya que sus referentes son totalmente atemporales y de un humanismo desbordante. Viendo sólo una pequeña muestra de los autores que le citan (casi siempre más con veneración que con admiración) como referente e influencia directa, nos damos cuenta que cuando hablamos de Kurosawa debemos hacerlo mientras realizamos una reverencia y genuflexión; no puede ser que tantos y tan grandes autores estén de acuerdo en algo por casualidad:
Sergio Leone, Andrei Tarkovski, Satyajit Rai (trilogia de Apu), Ingmar Bergman, Federico Fellini, Bernardo Bertolucci, Robert Altman, Sidney Lumet, Sam Peckinpah, Roman Polanski, Steven Spielberg, George Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Shang Yimou, Takeshi Kitano, Werner Herzog, Spike Lee, Abbas Kiarostami, Quentin Tarantino, ... no conocemos nadie que provoque tanta unanimidad a la hora de alabarlo y reconocer la influencia grande o muy grande en su propia obra.
En cuanto a lo que su filmografía se refiere, ha sido motivo de reconocimiento mundial tanto por parte del público como de la crítica, como no podía ser de otro modo, y su cine ha sido plagiado u "homenajeado" en muchas ocasiones y en muchos lugares. Entre sus muchas obras destacaremos: Yojimbo (1961), Rashomon (1950), Los siete samurais (1954), Trono de sangre (1957), Dersu Uzala (1975), Ran (1985), Vivir (1952), Kagemusha (1980), etc...
Si vivís en Barcelona pasaos por La Casa Asia para ver la programación (o en su página web) y si no, siempre es un buen momento para visionar sus películas a través del dvd. Siempre es un buen momento para ver cualquier película de Kurosawa, sobretodo descubrirlo, que produce un placer como pocos, y por mucho que ya las hayáis visto, cada vez que se vuelven a ver, se descubren cosas nuevas que antes nos pasaron desapercibidas,. Su sutileza es exquisita, así como su maestría tras la cámara. Maestro, felicidades!!!

HUMPHREY BOGART

Bogart ejemplifica el tipo duro pero sensible lleno de cinismo y con un alto grado de melancolía, un cinismo que no es más que un coraza con la que protegerse de este mundo tan incomprensible.

Humphrey Bogart nació el 23 de enero en 1899 en Nueva York en el seno de una familia de clase media. Participó en la Primera Guerra Mundial donde sufrió un accidente que le semiparalizó su labio superior, lo que le otorgó esa peculiar forma de hablar.

Al acabar la guerra y tras pasar por Broadway sin mucho éxito se trasladó a Hollywood, en donde debutó en el cine en "A devil with women" (1930). Sin embargo, esto no fue más que el comienzo y hasta llegar a esa imagen de hombre curtido por el crujir de los días, un tipo que ha visto demasiado y que está de vuelta de tantas cosas, intervino la madre de todas las ciencias: el azar.

La primera intervención de la fortuna fue cuando Archie Mayo consideró que Bogart podía repetir en el cine el personaje que ya había encarnado en el teatro en El bosque petrificado. Bogart realiza una interpretación enloquecida de un gangster amargado, con el gesto contraído, los brazos mortecinos y rígidos, con un aire chulesco y desquiciado que llama la atención. Bogart se encasilló en una serie de papeles de gangster de segunda, de villano de mediopelo o similares en películas para la Warner como Dead End (1937) de William Wyler, Angeles con caras sucias (1938) de Michael Curtiz o Los violentos años veinte (1939) de Raoul Walsh, estas ultimas junto a James Cagney.

Su segundo golpe de suerte llega con El último refugio (1941) de Raoul Walsh, cuando Bogart ya tenia más de cuarenta años a punto de diluirse entre tanto cine policíaco. Era su último cartucho, como el personaje de la película, Roy Earle, un gangster en su ocaso, alguien que da sus últimos coletazos en una sociedad que no le acepta, una interpretación memorable que le permitió ese mismo año interpretar la que se considera película fundacional del género negro: El halcón maltés, de John Houston. Fue la aparición de un nuevo Bogart, con todas las características que le acompañarían en los personajes que interpretaría desde entonces y que le convirtieron en mito y en la imagen que hoy tenemos de él. Era un personaje duro pero a la vez que soñador y romántico, con un código ético muy personal y único.

Al año siguiente, "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz haría de él un ídolo y un mito para todas las generaciones cinéfilas. Los títulos en los años 40 (además de los citados) son sobrecogedores: "Sahara" (1943) de Zoltan Korda, "Tener y no tener" (1944) -otro título clave ya que conocería al amor de su vida, Lauren Bacall- de Howard Hawks y "El sueño eterno" (1946) de Howard Hawks, donde se convierte para siempre en Philip Marlowe, un personaje que escupe unos diálogos impregnados de un sentido del humor agrio, hiriente, que revelan su desconfianza en el género humano, a la par que muestra su enorme atractivo hacia las mujeres; es este un film de atmósfera, de ambiente, donde predomina la oscuridad, las calles húmedas, los tonos sombríos como si todo fuera una metáfora del ambiente de corrupción y decadencia generalizada del que emerge la integridad de Marlowe. Siguió su trayectoria con "La senda tenebrosa" (1947) de Delmer Daves, "Callejón sin salida" (1947) de John Cromwell, "Cayo Largo" (1948) de John Huston, "El tesoro de Sierra Madre" (1948) de nuevo con Huston, con quien tenía una gran relación de amistad y alcohol,o "Llamad a cualquier puerta" (1949) de Nicholas Ray.

Si los cuarenta fueron buenos los cincuenta serían también por el mismo estilo en su primera mitad ya que el fatal desenlace de su enfermedad nos privaría del gran Bogey para siempre. "En un lugar solitario" (1950) de Ray, donde la imagen de Bogart caminando por una calle humeda al amanecer queda para la posteridad, "La reina de Africa" (1951) de John Houston, quintaesencia de las ganas de vivir, "El cuarto poder" (1952), una historia sobre el periodismo de Richard Brooks, "La condesa descalza" (1954) de John L. Mankiewicz, con un Bogart inolvidable recordando a Ava Gardner en un cementerio mientras la lluvia se desliza por su sempiterna gabardina, "La burla del diablo" (1954) de John Huston, "El motín del Caine" (1954) de Edward Dmytryk, "Sabrina" (1954) de Billy Wilder, "Horas desesperadas" (1955) de William Wyler y su último film, ambientado en el boxeo "Más dura será la caída" (1956) de Mark Robson suponen los últimos títulos de una filmografíí intachable en la que se podrían citar todos los títulos porque la presencia de este hombre en la pantalla es el CINE mismo.

DENNIS HOPPER (1936 - 2010)

Ha muerto uno de los iconos del siglo XX del cine, el actor y director Dennis Lee Hopper. Sus apariciones míticas en cintas como Gigante,
Rebelde sin causa, Apocalypse now, Blue Velvet o en Easy Rider, donde también debuto como director, han sido referencia del mundo del cine y donde se atrevió con otras disciplinas notablemente, como la fotografía entre otras. Muere uno de los actores de carácter de la segunda parte del siglo XX, carácter que le llevó a pronunciarse políticamente en un país donde tener según qué ideas o pensamientos puede hacerte perder contratos de trabajo. Con el adiós a Hopper también decimos adiós al estandarte de la contracultura que tanto tuvo que ver con los años 60. Easy rider vista desde hoy parece una película poco interesante, pero en su contexto tuvo la importancia que tuvo, que no fue poca.

CANINO (Kynodontas), de Yorgos Lanthimos

Una grata sorpresa, una de esas películas que sorprenden y agradan, la griega Dogtooth (Canino) de Yorgos Lanthimos, sangre fresca para el cine con una propuesta tan personal como inteligente y que romperá los esquemas de los que la presencien. En ocasiones pasas de la sensación más hilarante a la observación turbadora de elementos que dan mucho que pensar sobre la educación, la importancia del lenguaje, etc. El plano fijo y la ausencia de banda sonora, ayudan mucho a este ejercicio tan sugerente y lleno de sorpresas, como el inesperado final, que a buen seguro a nadie deja indiferente. Muy buena elección para mentes inteligentes que buscan en el cine algo más que pasar el rato.
[Extracto de la crónica de Cinéfilos Natos del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Sitges que se publicada en octubre.]

Añadir que se trata de una película muy poco convencional, surrealista, pero que se le pueden hacer infinidad de lecturas en un mundo absurdo aunque en otros términos. ¿Cómo puede el peso de una educación, que pretende preservar la inocencia, ser la desencadenante de los hechos más abyectos?. ¿Cómo de fundamental es el lenguaje en el pensamiento?, ¿cómo la conducta humana puede llegar a ser determinante en las elecciones?, ¿como puede distorsionar la educación el cine?, ¿de que manera puede evitarse lo inevitable?, ¿Puede privarse a los individuos de la sociedad? son algunas de las cuestiones que la película parece plantear sin contestar a ninguna porque la propuesta no parece verosímil, pero si tremendamente sugerente. Os recomendamos esta perla del Festival de Sitges que a nosotros nos encantó pero también os advertimos que no es una película fácil tampoco. Ahora que Grecia está sumida en una situación económica comprometida, puede que sea una buena idea ver una película de esta nacionalidad que llega a nuestras pantallas (no suele ser muy frecuente) y de esta manera y de manera inapreciable, podemos ayudar potenciando su cultura (si, puede que demagógico, pero ¿a que ha quedado bien?).

Ciudad de Vida y Muerte, de Li Chuan

Estamos ante una película tremenda, Ciudad de Vida y Muerte, la ganadora de la Concha de Oro en el Festival Internacional de San Sebastian. Se han dicho bastantes cosas de ella, pero yo creo que lo mejor es que los que lean este blog y quieran hacer algo de caso, vayan a verla inmediatamente, merece la pena. No creo que deje a nadie indiferente, ni que nadie pueda decir que no ha valido la pena pagar lo que piden a los cines. Sólo la fotografía ya merece la pena, con un blanco y negro fantástico que narra bellamente acontecimientos tan siniestros. No vamos a mojarnos aquí sobre la película para no entrar en la polémica sobre si se trata de propaganda o no, pero creo que a estas alturas denunciar la barbarie de cualquier conflicto bélico, es ya de perogrullo. La acción se sitúa en la guerra que enfrentó a Japón con la China en la década de los 30, y la invasión de los primeros de la capital de la China en aquel entonces, Nanking, y las posteriores atrocidades que se llevan a cabo en un pequeño campo de refugiados improvisado donde algunos occidentales intentan salvarse y ayudar a las personas de su entorno. Tampoco queremos entrar en el debate sobre hasta que punto esta Spielberizada esta película, seguro que tiene ciertas concomitancias, pero tampoco tantas como se han dicho. Hay bondades y faltas en la película, pero vale la pena verlo aunque sólo sea por la puesta en escena.

Como queja tan solo hablar de la falta de profundidad de la mayoría de personajes, que ante el catálogo de atrocidades, no parecen desarrollarse más que de una manera muy burda, muy tópica. Por otro lado, para compensar, puede que sea una de las películas en que más se homenajea a las mujeres víctimas de la guerra, que en este tipo de películas suelen hacer papeles de comparsa.
En definitiva, os apremiamos a que la veáis con espíritu crítico y si os apetece, nos explicáis que os ha parecido.

El resurgir de VINCENT

Hace un tiempo que Vincent cut's no os pone al día de las novedades del mundo del cortometraje. Después de un periodo de reflexión, o de descanso, o de... vuelve con renovadas energías.
Y empezará por el recién finalizado festival de cine de Málaga.

13 FESTIVAL DE MÁLAGA DE CINE ESPAÑOL

El tránsito, de León Siminiani, Biznaga de plata al mejor cortometraje
Sinopsis: Versión no oficial y clasificada de la hora punta y sus consecuencias en la vida del hombre moderno.
Genio y figura, de Hatem Khraiche Ruiz-Zorrilla, ha obtenido el premio Especial del Jurado.
Sinopsis: Unos padres intentan convencer a su hija para que se presente a un casting que le permita ser famosa. Unos soldados deciden en la trinchera cuál de ellos debe jugarse la vida afuera para pedir ayuda. Y una ejecutiva de televisión negocia la compra de una misteriosa figura que adornará su dormitorio.

Miguel Ángel Jenner, protagoniza en La historia de siempre, de José Luis Montesinos, ha sido galardonado con el premio al Mejor Actor.
Sinopsis: Un hombre hace todo lo que está en su mano para recuperar a su mujer y así resolver su crisis. Trailer aquí.

Carmen Ruiz ha conseguido el galardón a la mejor actriz por su interpretación en La rubia de Pinos Puente, de Vicente Villanueva.
Sinopsis: Yo nací en Pinos Puente, pero de pequeña me trajeron aquí. Este corto también ha logrado el Premio del Público. Verlo entero aquí.

Voltereta, de Alexis Morante, ha recibido el Premio del Público Nuevo Talento FNAC.
Sinopsis: algunas veces una simple decisión puede cambiar el resto de tu vida. Trailer aquí.

El premio a la Mejor Dirección ha sido para Beatriz Sanchis por Mi otra mitad.
Sinopsis: A Andrea y Adrián les une algo desde el mismo momento de su nacimiento, una inusual deformación óptica que les hace ver el mundo de una manera incompleta y complementaria a la vez. Los dos saben de la existencia del otro, ya que les trata la misma oculista, Sophie, y desde pequeños han fantaseado con la idea de encontrar algún día a "su otra mitad". Trailer aquí.

Para terminar, Las cinco muertes de Ibrahim Gonzales, de Pablo Aragües, y Pichis, de Marta Aledo, han sido reconocidas con las menciones especiales del jurado.
En la primera, tras un accidente doméstico, Ibrahim pasa un minuto clínicamente muerto. (Ver aquí) y en la segunda, una madrugada de viernes. Cuenca. Puerta trasera del "Cave Canem". Bar de toda la vida de una pandilla de amigos. Hoy es la despedida de soltera de una de ellas, María Victoria. Se casa con un francés. Barra libre hasta las dos. Qué noche más larga. Golpetazos del pasado. Cientos de conversaciones pendientes. Trenecitos, música de los 80...Héctor sale fuera a fumar... Vedlo aquí

Seguiremos informando de próximos festivales, cortometrajes, noticias... Esperamos seguir contando con vuestro apoyo.

Aniversario HITCHCOCK

Un 29 de abril de hace 30 años murió Alfred Joseph Hitchcock y en este año 2010 se cumplen también 50 años del estreno de una de sus películas más emblemáticas PSICOSIS. Aprovechamos que a la gente le suele gustar recordar las fechas que acaban en 0 o 5 y así mantendremos nuestra esencia original para seguir viviendo del cuento y parecer que hacemos algo por el blog.
No vamos ahora a descubrir nada que no se haya dicho o publicado ya sobre el genio de Alfred (si se me permite tutearle) o sobre la película que nos ocupa, así que si no tenemos nada que añadir que valga la pena, no lo haremos, pero os dejamos aquí con tres pequeñas muestras por si esto os abre el apetito cinéfilo de revisar grandes clásicos del cine de este gran talento que no fue demasiado reconocido con premios pero si por el público y la historia. Una selección de sus inolvidables cameos, una visita guiada por el propio Hitchcock por el hotel regentado por Norman Bates y finalmente la escena ultrafamosa de la misma película que sigue provocando ríos de tinta sobre ella a pesar de los años cumplidos, con su inolvidable banda sonora y la consideración de ser una obra maestra del montaje, que a menudo pasa por alto a la mayoría de los mortales.

From Dusk Till Down

Hay imágenes que quedan grabadas en las retinas del cinéfilo, ya sean los grandes clásicos como en películas que pasan discretamente entre estos. Robert Rodriguez haciendo tandem con Quentin Tarantino nos ofreció un buen ejemplo de ello en la película Abierto hasta el amanecer donde actores veteranos como Harvey Keitel se juntaban con novatos como George Clooney o Salma Hayek. Sobre todo esta última nos brinda una buena muestra de lo que es sensualidad en una intervención tan breve como memorable que los cinéfilos de mente más calenturienta todavía recuerdan junto con la música de fondo del film, siempre tan importante para los dos directores, en este caso "After Dark" de Tito & Tarantula o ZZ Top con"She's just killing me". Por cierto menos bares de diseño y pijoteros y más del tipo Titty Twister. Pónganse cómodos y disfruten del baile. ¿Alguno se resistiría a ser mordido?

INVICTUS, de Clint Eastwood

Aunque ya tarde (hace tiempo que se estrenó) finalmente hemos ido a ver la última de Clint Eastwood, Invictus, y como siempre, salimos con la impresión que el dinero gastado en la entrada de cine, vale la pena cada céntimo de euro. No es una genialidad como Gran Torino, pero se nota en cada detalle, en cada desarrollo esa maestría que Eastwood nos muestra en esta etapa de su vida consagrada a la dirección.
Quien espere ver un biopic o hagiografía de Mandela se llevará una decepción, más bien es una película deportiva, un hecho concreto, el mundial de rugby del 1995, en la historia de Sudáfrica y en la vida de Nelson Mandela. El director no ha querido adentrarse en su vida ni en hacer lecturas políticas de la transición del régimen de aparheid a una democracia, simplemente ha cogido el libro de John Carling (que no hemos leído por el momento) y se ha centrado magistralmente en él. Para ello se ha ayudado del único actor que podía encarnar semejante hombre, un siempre genial Morgan Freeman que sin ayuda de maquillaje parece que estés viendo al mismo Mandela. Por otra parte tenemos un anabolizado Matt Damon que está rodando a las órdenes de Clint su nueva película Hereafter y esperemos que brille un poco más que en esta película que no pasa de la corrección.
Sin ser un peliculón a los que nos tiene acostumbrados, a los amantes de la épica del deporte puede emocionarlos un poco, y a las personas que sepan algo del sufrimiento del pueblo sudafricano, pueden emocionarse al escuchar la voz rota, apenas un susurro, de Morgan leyendo el poema de Mandela. Si no la visteis en cine y no os da tiempo todavía, es una magnífica opción cuando salga en dvd. Eastwood acostumbra a ser garantía de cine de calidad.

El libro de Eli, de los hermanos Hugues

Película de carácter apocalíptico esta El libro de Eli, a medio camino entre la estética de Mad Max y The road, con apuntes de Spaguetti Western futurista con un final a lo Farenheit 451. Una vez dada la nota cinéfila (que toca de vez en cuando) vamos a hablar de la película de los hermanos Hugues. El film destaca por cierta labor artística de los directores para explicarnos algo que no sorprendre y un guión poco elaborado, por eso y por la interpretación de Denzel Washington, que haciendo lo de siempre, sigue gustando como lo hace; también está bien Gary Oldman ya que introduce matices en todo lo que hace, cosa que el guión no introduce, pero ellos dos completan. A destacar los cameos de de Tom Waits, Jeniffer Beals (no tan cameo) y Malcom McDowell, que siempre interesan, aunque no aportan gran cosa a la película. Quizás la peor parte se la lleve Mila Kunis, la lazarillo que no acaba de transmitir todo lo que debería.
Las escenas de acción no son muchas y están bien rodadas, claras y contundentes, y no abusa de ellas ni tampoco en su duración, cosa que no podemos decir del final, que podrían haber planteado con mayor brevedad y de manera más simbólica que como lo hacen.
A pesar de no ser una película lograda 100% es una película bien narrada y auténtica, que es capaz de deglutir sus influencias y de ser una película lenta para ser de acción, pero que se deja ver con curiosidad. El componente ético-religioso de la película no indigesta, pero tampoco acaba de cuadrar con la épica que parece proclamar y no está bien dosificado el misterio que parece llevar pero que se desvela enseguida sin giros que podrían haber dado mucho más juego. En todo caso, y para la polémica, una palabras del malo de la película, Gary Oldman, en que plantea el papel de la iglesia respecto a la biblia, interesante planteárselo en pleno viernes santo y con la que le está cayendo al vaticano sobre las denuncias de pederastia que le llueven a centenares.

Furia de Titanes, de Louis Leterrier

Siempre que se habla de un remake resulta inevitable comparar, pero intentaré evitarlo en la medida de lo posible. Tan solo diré lo siguiente, a parte del título, Furia de Titanes, y el tema, pocas cosas más coinciden, por lo que se pueden ver como obras independientes por fortuna. Queremos reivindicar desde aquí el trabajo de Ray Harrihausen en la primera de ellas, la que dirigió Davis, un trabajo con stop-motion, que en su día fue denostado (se realizó después de Star Wars y la primera entrega de Superman). Como hay mucha tela entre esta y la de Leterrier, esta vez vamos a destacarlo por separado:
A FAVOR:
- Diferencias, y muchas entre esta versión y la original, formales, técnicas y narrativas, cosa que se agradece porque ver un copia con efectos especiales actualizados, no interesaría nada.
- Personajes nuevos o de orígenes distintos al original y a la mitología clásica, algunos muy sustanciales.
- El diseño de producción es muy cuidada, no solo son efectos digitales sino unas localizaciones espectaculares y unos decorados y maquillajes fantásticos que mezclan a la perfección efectos digitales y artesanales, que junto con las caracterizaciones de los personajes (dejando atrás la estética del peplum) dan mucho juego.
- La acción está bien llevada y no abusa de las escenas en que esta es trepidante, cosa que corría el peligro de suceder.
- Los secundarios Lian Neeson y Ralph Fiennes, la lástima es que salen poco por muy dioses que sean. Los otros secundarios también están bastante bien.
- Banda sonora, en su mayor parte se ajusta a las necesidades de la película con eficacia.
EN CONTRA:
- El 3D, sin duda lo peor y si todavía no ha habéis visto ahorraros los 2 o 3 euros de diferencia. Se nota metido con calzador, mal aprovechado, hace que sea mucho más oscura (más parece que lleves gafas de sol que en 3D) y se pierde nitidez.
- El guión no es nada del otro mundo, otra película plana, como ya le pasaba a Avatar, lo que se gana en espectacularidad se pierde en profundidad de guión.
- Actor protagonista: Perseo, que alguien te enseñe a actuar por favor. En Avatar salia poco, pero aquí...

Bueno, en definitiva es una película para pasar un rato entretenido mientras las barrigas se hinchan de palomitas y cerveza, con buenos efectos especiales de esos que a los que nos gustan, justifica el dinero de la taquilla, aunque no justifica el suplemento del 3 D.

Los hombres que miraban fijamente a las cabras, de Grant Heslov

Tercera película centrada en el conflicto iraquí que vemos en tres días, y como pasaba en las dos anteriores, nada que ver unas con otras. En este caso tenemos esta Los hombres que miraban fijamente a las cabras, que ni es una película bélica, ni de acción, ni cine político. Se trata de una comedia, al más puro estilo de los Coen, pero con el grave problema de que no la dirigen los Coen sino un desconocido Grant Heslov. El punto fuerte de la película se encuentra en los actores, un gran elenco que lo hace muy bien y se nota que se lo pasan bien en este tipo de films. George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges, Kevin Spacey, etc. forman un reparto coral al servicio de un guión lleno de guiños y humor que no siempre consigue sus objetivos pero que resulta surrealista, que creemos que era lo que pretendía (¿Cómo si no se entiende que intenten mezclar los Jedis con la guerra de Iraq?). No todos los gags tienen la misma intensidad ni la misma gracia, el ritmo es desigual y en ocasiones no parece verse muy bien la intención de la película, pero la recomendamos para pasar un buen rato, donde la sonrisa aflorará más de una vez en vuestras caras y porque siempre es interesante ver tantos actores buenos pasándoselo bien y haciendo bien su trabajo, sin estridencias, sin pretensiones, sin transcendencias, solo cine para entretener, que en ocasiones se encuentra a faltar. ¿Cómo puede ser que Obi Wan Kenobi no sepa que son los Jedis? Jeff Bridges nos vuelve a recordar, aunque vagamente, al Nota (the dude)... ¿necesitáis algún acicate más?

En tierra hostil, de Kathryn Bigelow

Otra película de Iraq desde cinéfilos natos, ésta vez la más laureada con nada menos que 6 óscars, entre ellos, los principales. Sin ser para nada una mala película y una vez vista, nos parece una cosecha en cierto modo excesiva para esta En tierra hostil de Kathryn Bigelow que tiene una mirada totalmente diferente del film de Greengrass, sobretodo porque más que identificarnos con los protagonistas, en ocasiones deseamos verlos volar por los aires. No se critica la intervención en Iraq, ni hay planteamiento de cuando o porqué. Los soldados están allí porque quieren, porque necesitan adrenalina y no hay manera mejor que conseguirla de esa manera, no hay profundidad en el planteamiento ni siquiera se menciona el tema. Se produce en Iraq como podría suceder en cualquier sitio. Tampoco tiene mucho sentido la aparición fugaz de Ralph Fiennes, Guy Pearce o Evangeline Lily (Lost).

Una película de artificieros, con las típicas escenas de camaradería, con mucho desconocimiento de muchas cosas del aspecto militar, sobretodo irreflexión, pero no de donde cabía esperar, sino sin mucho sentido. Los iraquís no parecen contar para nada más que para ser el detonante de ciertas situaciones, los americanos son amos y señores y pueden hacer y deshacer a su antojo, no hay reflexión alguna en la película, y eso para nosotros es una gran decepción. Puede que descontextualizada, la película gane, pero vista el día después de Green Zone, pierde y bastante. No entendemos algunos premios de la academia, como de costumbre.

Green Zone: distrito protegido, de Paul Greengrass

Tenemos ante nosotros una película, Green Zone, que tiene el sello inconfundible de su director, Paul Greengrass, director de las dos secuelas de Bourne con las que tiene muchos puntos en común, como la acción trepidante bien llevada. Es una película de acción a la vez que un film político, pero tan solo de manera secundaria, la trama política está bastante esquematizada en beneficio del thriller que plantea. En la película destaca el planteamiento crítico sobre el conflicto iraquí y un detalle que celebramos, un cierto atisbo de respeto hacia los habitantes de Iraq, cosa que suele ser obviada en películas de este tipo. La escenificación del conflicto esta muy bien conseguida, por momentos podemos incluso oler Iraq, con unos actores que conocen e interpretan con solidez sus personajes mientras la cámara baila a su alrededor en todo momento. Sabemos que hoy en día, la cámara es un elemento más de la acción, pero en ocasiones encontramos a faltar la cámara a la usanza de las antiguas películas bélicas. A pesar del tratamiento esquemático, agradecemos el esfuerzo de Greengrass por hacernos pensar un poco más de lo que los medios de comunicación suponen que podemos pensar y la capacidad crédula que tenemos como espectadores. Siendo una película de ficción, seguramente hay más elementos de la realidad de una guerra que no en la CNN o en los noticiarios de los "países amigos y aliados". El tema a debatir, los numerosos responsables de guerras como esas, la propia administración, los mass media, el ejército y la sociedad civil, que no se moviliza con suficiente contundencia para hacer oír su voz; estamos demasiado cómodos en nuestras poltronas occidentales.