STAR TREK, en la oscuridad, de J.J. Abrams

Por mi parte decir de antemano, que vuelve a acertar J.J. Abrams en la segunda de Star Trek, en la oscuridad.  El listón estaba muy alto después de la primera propuesta del director, y algunos nos temíamos que ahora podría haber un bajón en la franquicia, pero aunque no llega al talento de la primera, creo que mantiene el nivel, y un buen nivel.  Así como en la primera se esforzó en presentarnos a los personajes, en esta segunda se decanta por la acción y vaya acción, de esta no podemos decir que salgamos decepcionados del cine.  Tampoco hemos de olvidar (y lo digo por críticas que leí antes de que la estrenasen en España) que se trata de un producto para recaudar en la taquilla, que forma parte de la saga más longeva de ciencia ficción de la historia del cine, por lo que cuando te sientas en tu butaca, has de saber que puedes esperarte, no se trata de cine de arte y ensayo ni nada por el estilo.  Tampoco sé que pensarán los trekkies más talibanes, yo me considero trekkie pero no purista, y he de decir que la película ha colmado mis expectativas y me ha satisfecho.

Sobre los efectos especiales, soberbios, realmente la ambientación de San Francisco y Londres del futuro están de lo más logrados, las luchas de naves espaciales, insuperables y los efectos especiales y sonoros, gran banda sonora también, nos dejan absortos en una gran pantalla.  Los personajes a pesar de que ya los conocíamos, siguen convenciendo (sin entusiasmar ni Spok ni Kirk, pero convincentes) y la introducción de Benedict Cumberbatch es un verdadero acierto.  El Sherlock televisivo de la BBC también es capaz de realizar un Khan muy notable, a la altura del original diría yo, aún a riesgo de destapar las iras de Sheldon Cooper, y es un digno adversario de la tripulación del USS Enterprise.  Un gran despliegue de medios y talentos a las ordenes de J.J. que los despliega con talento para entretenernos, que al fin y al cabo, si hemos de pagar los 9 eurazos que me costó la entrada, ver algo así me vale la pena, salgo del cine sin la sensación de que no voy a volver al cine, o esperaré que salga el dvd o voy a piratearla o voy a hacer lo que sea por tal de no volver al cine.  Entretenida, de este tipo de películas que vale la pena verla en las salas por su grandiosidad y escenas espectaculares, incluso con palomitas (aunque detesto que la gente lo haga) y con la esperaza que Abrams no sea la última de la franquicia que realice. Tiene cosas que se podrían mejorar, bastantes, sobretodo en los aspectos del guión, pero creo que se trata de una buena inversión en entretenimiento para este verano que en las salas parece desolado.

DJANGO DESENCADENADO, de Quentin Tarantino

Cuando publico esta entrada en mi descuidado blog (cada vez dedico más a facebook que al blog, a pesar de que en principio la idea era la inversa), ya no es una novedad la película de Tarantino, de hecho, se ha escrito mucho, polémico y casi siempre, en los dos extremos, es decir, para ensalzarlo o para criticarlo.   No creo que Quentin necesite nada que los críticos podamos decir (bueno, yo no soy crítico, que conste), pero creo que me alinearé del lado de los que prefieren fijarse más en las cosas positivas que no en las menos positivas.  He leído muchas cosas en contra de Quentin Tarantino, he notado mucha decepción en las palabras que se vuelcan sobre él, las leí antes de ver la película y también después de haberla visto.  Más allá de lo que yo pueda opinar de esta última película de él, este Django desencadenado, creo que lo que reflejan sobretodo las críticas a la película, es algo que va más allá de la película, algo que refleja más la época del cine y lo que la gente espera, que en sí sobre sus películas.  Estoy de acuerdo que Django no es la película que más destacará en la carrera de Tarantino, pero a mi me ha divertido, me ha interesado y me ha entretenido, ¿Se puede pedir más?  Creo que a los que nos gusta el cine y tenemos una tendencia mitómana grande, estamos deseando que nuestros autores favoritos hagan obras de arte incontestables para regocijo nuestro, pero es que hacer eso que les pedimos una y otra vez esta en manos de muy pocos y sólo en contadas ocasiones. 

Creo que Django desencadenado contiene los elementos que hacen grande a Tarantino, que a la vez son también el que en ocasiones, por repetitivo, le cuestan más de una desafección.  Es el estilo Tarantino, y eso es muy difícil de tener, un estilo propio, inconfundible y al que intentan imitar miles y miles de jóvenes talentos (o eso creen ellos) pero que mueren en el intento.  A Tarantino en ocasiones le pasa como a Dalí, si se me permite, de tanto jugar a ser un personaje, él mismo se convierte en un chiste de si mismo.  Un genio no puede serlo siempre y en todo momento y a Tarantino no podemos estar pidiéndole continuamente que nos sorprenda, que sea abanderado de la modernidad a pesar de que pase el tiempo y que mantenga su estilo inconfundible.  Bueno, si que podemos, pero si lo hacemos, nos sentiremos traicionados, decepcionados, defraudados, y con ello, cargaremos contra él, diremos que el genio se ha diluido, etc.   Yo prefiero quedarme con su estilo, su enorme ego le hace una y otra vez reinventar géneros simplemente pasándolos por su estilo, pero lo hace a la perfección.  Su dirección de personajes es realmente encomiable, hace que actores olvidados tengan sus minutos de gloria e incluso puedan revitalizar su carrera si son inteligentes, con los consagrados puede sacarles el mejor jugo en registros que no suelen ser los suyos, como guionista no tiene precio, como montador es uno de los mejores (aunque este no es su mejor trabajo en este sentido).
Me hace reír, me entretiene, sus imágenes son evocadoras, sus bandas sonoras inolvidables y nunca me he planteado en ninguna de sus películas, que es un dinero malgastado, y eso manteniendo siempre su sello, su personalidad, sea el género que sea, además, ese punto irreverente (ególatra dirán otros y puede que con razón) a mi me gusta, no hay nada sagrado en el cine más que el cine.  Django desencadenado no será la obra maestra que algunos esperaban pero mantiene la esencia de las producciones tarantinianas y tan solo por las majestuosas interpretaciones y los cameos que introduce (no quiero hacer una lista aquí porque seria larga) y esos diálogos (a veces un poco cargantes pero nunca exentos de calidad), ya sólo por eso vale la pena verla.  Por supuesto si no te suele gustar ya de natural el director, mejor es ir a ver otro tipo de película o espectáculo.

HOLY MOTORS, DE Leos Carax

Holy Motors, de Leos Carax fue la primera película que vi este año del Festival de Sitges, la voluntad del jurado hizo que finalmente fuese la ganadora.  La verdad es que aunque ha pasado más de un mes desde su visionado, todavía no tengo claro como valorar la película, en todo caso es una película desconcertante, porque entendería tanto que la crítica  situase a la película de Carax como una obra maestra (un clásico contemporáneo he llegado a leer) y a la vez también entendería al que pensase que es una tomadura de pelo y que decidiese irse del cine antes de que acabase la proyección.

Realmente es de las películas que cuesta explicar, si un amigo o conocido te preguntase aquello tan clásico de..¿Y de qué va?  Realmente te pondría en un brete.  Incluso cuando la estas viendo esta pregunta te asalta como espectador, y no es tarea fácil desvelarlo, aunque no imposible.  El hilo conductor nos presenta al personaje central (un Denis Lavant impresionante) que va cambiando de vida y personajes (hasta 9 veces) con sólo meterse en una limusina.  Este personaje, que no deja entrever fácilmente quien es, va dejándonos imágenes, bizarras, surrealistas, otras de gran belleza, pero en varias ocasiones impenetrables, por eso puede que a algunos les parezca una obra sublime, y en cambio a otros les resulte irritante tanta impenetrabilidad.  El trasfondo parece aterrador, pero digo parece porque como decía en un principio no estoy seguro de haber descubierto el código para poder valorar la película, creo que sería necesario cuanto menos, un nuevo visionado, pero no tengo claro que eso desvelara del todo mis dudas. El trasfondo, decía, me parece aterrado en cuanto he entendido un vacío existencial del personaje que le obliga a ese tour de force entre diferentes personajes, un personaje que sufre, que se debate entre identidades, todo ello ante una gran dirección; nada que objetar al trabajo de Carax, pero con un tono hermético, bello, surrealista, pero que hace dudar de que la reflexión final, si la hay, sea patrimonio exclusivo de Carax, como la escena final, que no sabes si es una tontería enorme o algo para aplaudir puesto en pie.

SALVAJES (Savages), de OLIVER STONE

Una buena noticia, Oliver Stone ha vuelto.  No es el mejor y glorioso Stone, pero parecía que había desaparecido, desvanecido en sus discutibles y mal acogidos últimos trabajos, con sus proclamas más políticas que cinéfilas.  Y a pesar de que no tenemos la mejor versión de Stone, tenemos una buena versión de él.  En Salvages encontramos a un excelente narrador, al genio del montaje, al creador de imágenes impactantes, una cuidada y acertada banda sonora, unos actores bien escogidos.  Pese a que tiene sus puntos flacos, es una buena película a la que el director le sabe encontrar el ritmo (sus 131 minutos no se hacen para nada largos) sin ser trepidante, maneja el tiempo a su antojo y el cuidado montaje hace el resto.

Otro acierto es combinar veteranos actores con jóvenes valores. El trío protagonista formado por los jóvenes Aaron Johnson, Taylor Kistch y Blake Lively han de vérselas con una Salma Hayek de telenovela, un John Travolta sin hacerse el duro, y un durísimo y desagradable Benicio del Toro.  He de comentar que creo que ver esta película en versión doblada seguramente ha de perjudicar bastante ya que esta lleno de conversaciones en que los actores van del castellano al inglés continuamente, y en la versión doblada al castellano no se como lo habrán resuelto, pero lo visto en otros films, suelen acabar en desastre.  La combinación de consagrados y emergentes tiene un buen resultado y la empatía resultante hace desagradable que el mundo de la marihuana o la violencia de los narcos te acabe atrapando. 

En definitiva un buen film "noir" con esos toques tan de Oliver Stone, con ambiente tan volátil como las drogas que salen durante el film, con ese sello que imprime a su violencia, con esas imágenes que nos propone que no entran en la categoría de reflexión ni moralismos, sino simplemente propone entretenimiento, y basado en una historia nada original pero llena de ritmo y lleno del propio director.  Lo peor de todo seguramente es el final, pero puede que a alguno de vosotros pueda gustaros incluso...  Recomendable, de verdad.

El irlandés, de John Michael Mcdonagh

Lo primero que escuché de esta película es que era una especie de Torrente irlandés, creo que es una de las valoraciones más injustas que he escuchado sobre una película, y en los dos sentidos, para El irlandés y también para Torrente.  No encuentro ni un sólo fotograma en que se puedan comparar, ni mucho menos en las pretensiones de los dos directores, que a pesar de desconocerlas, pueden preverse, presuntamente, por supuesto.  A parte de ello he escuchado sandeces de muy alto calibre que me habían procurado una expectativas más bien altas y lo que he encontrado es más bien poco, un film correcto, sin mucho que aportar, a parte de las interpretaciones porque esto es lo único destacable de esta película.  Lo pretendidamente políticamente incorrecto queda en cuatro bromas mal contadas y poco más.  El irlandés de John Michael Mcdonagh aporta bastante poco en este film negro, con alguna concomitancia con la estupenda Escondidos en Brujas del hermano de John MIchael, Martin, especialmente en la elección de actores, pero poco de esta encontramos en la actual.  Incluso la patética artimaña de poner a "los malos" hablando de Nietzsche en pleno tiroteo deja en casi nada este film que venia precedido de buenas críticas, pero que deja mucho que desear.  Se deja ver y punto, pero al precio que están los cines (gracias Mariano) no vale la pena tal dispendio de pecunio, mejor reservarlo para otras experiencias.  Eso si, Brendan Gleeson, e incluso Don Cheadle están muy bien, y a los que les guste disfrutar de los actores, puede valerles la pena, a los que buscan algo más, esperad a que salga en vídeo, a piratearla o a gorrearla a alguien que se la compre, sea la opción que prefiráis. (esta crítica se perpetró en el mes de julio, en plena pérdida de la contraseña... ufff)

TOTAL RECALL, de Len Wiseman

Puedo asegurar que entré en el cine con toda mi buena voluntad esperando pasar dos horas de entretenimiento del bueno para ver este Desafio Total, este remake de Total Recall, esta vez de la mano de Len Wiseman, pero todo se quedó en la entrada.  Había leído, no las críticas pero si que divergían enormemente unas de otras, o gusta o todo lo contrario.  Pese no haber leído el libro original Philip K. Dick y no ser un talibán de los remakes y/o reboots (esto es: que a veces parece un sacrilegio hacer un remake, si tocan algo es un sacrilegio y si no lo tocan, es falta de originalidad, por lo que siempre el remake es polémico o directamente malo), la verdad es que no he disfrutado en exceso de la película, más bien he tenido que mirar varias veces el reloj, y eso es una mala señal.  Intentaré explicarme sin introducir spoilers, cosa difícil.  Evidentemente siempre es complicado hacer un remake y más si el listón está muy alto, como en el caso de la versión del siempre interesante Verhoeven con el abuelo Swarzy.  En esta primera había humor, mala leche y otras cosas que he encontrado a faltar en esta otra, sobretodo ritmo, porque esta es muy frenética, pero eso no quiere decir que tenga ritmo.  

A nivel de realización, los efectos especiales son impecables, por supuesto, pero me ha sonado todo mucho a cosas ya vistas, Blade Runner, Yo robot, el Gotham de Nolan, ...  Marte puede que no se encuentre a faltar, pero no le da tampoco ningún plus esta versión, que seguramente será más fiel al libro.  En cuanto a la interpretación, Colin Farrell no lo hace mal, pero tampoco es para tirar cohetes, me quedo más con la interpretación de Schwarzenegger.  Sin duda el aspecto en que sale mejor parada la comparación es en el duelo Stone/Ticotin contra Beckinsale/Biel, las escenas de acción están bordadas por estas dos últimas.  Tampoco los secundarios brillan más en esta Cranston no da la talla y Billy Nighy tiene un papel mínimo que no aporta gran cosa. Encontramos a faltar el papel de Michael Ironside en la primera.  Así como la versión de 1990 era un gran film de ciencia ficción, entretenidísima y con imágenes míticas (la cabeza de la señora en la aduana de marte, la aparición de Kuato, el Johnny Taxi, Venus 2000 y los mutantes y las dosis de humor) esta otra está destinada a olvidarse tan pronto como se consume, y que conste que me duele decirlo.

LOS IDUS DE MARZO, de George Clooney

Los idus de marzo, de George Clooneyes una nueva apuesta del actor y director por un tipo de cine comprometido, un cine político como ya hizo en Buenas noches y buena suerte, y a pesar de que parece que tienen poco que ver, hay un cierto continuismo entre la una y la otra. Y es que continua el buen hacer de Clooney como director, que lo hace más que correctamente, su estilo es en ocasiones impecable, narra bien la historia y sabe dirigir a los actores, aunque lo tiene muy fácil con el elenco que ha escogido. Y es que con Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman lo tienes muy fácil y es una apuesta segura, y además, Ryan Goslin, sigue estando en estado de gracia después de Drive y ya es algo más que una promesa seria, y junto al él mismo, forman un poker más que solvente que sólo por ello ya justifica el dinero gastado por ver esta película. Teniendo en cuenta que Clooney se dosifica mucho cuando se dirige, los otros tres están tremendos en todas sus apariciones. Por supuesto, el periodismo también juega un papel importante en la película como ya lo era en Buenas noches, en este caso representado por Marisa Tomei, con pinceladas estimables, y no en vano, la profesión y compromiso del padre de Clooney parece ejercer una gran importancia aunque la narración se centra en la intriga electoral en las primarias del partido demócrata, que está agilmente llevada. No se hace farragosa ni se centra en la ideología, y si en los chantajes y pleitesias; y aunque hay elementos en que sería fácil caer en la mediocridad, Clooney lo evita y con la elegancia que él demuestra siempre delante de la cámara, también parece tenerla detrás de ella. Significativo es el cartel promocional de la película donde tanto él como Goslin, pasan del encanto personal a la perversión en cuestión de segundos y en el mismo plano, y nos lleva a una reflexión sobre lo que es la política, al nivel más básico, sin hablar de la alta política, sino más bien, de la más "baja" que finalmente lo acaba impregnando todo y que incluso los más ingenuos y bienintencionados acaban cayendo en la "necesidad" de traicionar cualquier tipo de ideología. Una buena propuesta para ver con un cierto distanciamiento pero sabiendo que los tiros pueden ir siempre por el sendero del cinismo.

REC 3 (Génesis), de Paco Plaza

Me gustó mucho en su momento Rec, la original, la primera. Me pareció que Jaume Balagueró y Paco Plaza habían conseguido algo complicado para el cine español, y es hacer del cine de género algo más que digno. La segunda aventura de Rec, me negué a verla por motivos sentimentales, pero claudiqué en esta tercera parte, Rec 3 Génesis, la aventura donde sólo Paco Plaza tiene la autoria y he de decir que no salí para nada defraudado del cine. Me ha gustado, es una gamberrada pero muy bien hecha. Se que muchos de los potenciales lectores de este blog (no me consta que haya ninguno a parte de mi mismo, pero ahí estamos) no le interesa el tema zombie, ni tan solo el género de terror, del que yo me considero bastante seguidor, pero en el mismo género del zombie, que muchas veces cansa y no aporta nuevo más allá de las gamberradas en materia de que y como son capaces de comer los zombies, puede dar bastante de sí. En ocasiones denostamos el cine hecho en nuestras fronteras y magnificamos la producción extranjera, a veces hacemos lo contrario, en esta ocasión, y sin que sirva de precedente, voy a romper una lanza por esta película que divierte, entretiene e incluso creo que tiene algo más que puro entretenimiento. A pesar del título, más que ser una precuela de Rec podría ser una película totalmente independiente, los personajes secundarios son, como en la primera un gran acierto, pero a mi gusto, la protagonista principal está mucho mejor conseguida en esta que en la primera. Leticia Dolera está extraordinaria, su look tremendo y su apuesta, se aleja de las anteriores entregas para mejorarlas. A destacar la imagen de Sant Jordi y escudero agazapados por la mansión, delirante, El mosca y su cinema verité, un acierto, etc. Por lo que desde aquí recomendamos esta película para la gente que quiera divertirse con esta "gamberrada" dicho con todos mis respetos (prefiero la gamberrada a la trascendencia vacía del pedante), de Paco Plaza, que poco tiene que envidiar en esta película a Sam Raimi o al Peter Jackson de los inicios. Una boda con mucho humor, algo de terror, gore, y más humor, negro, pero humor del bueno con una banda sonora que también hay que destacar.

SHAME de Steve McQueen

Shame es una película subterránea, psicológica, en ocasiones puede producir una sensación desagradable ya que el espectador nota la desazón de los protagonistas, que se nos muestran en base a sus fantásticas interpretaciones, pero se nos niega información explícita sobre ellos, sobre sus vidas, sobre sus infiernos personales. Es una película donde poco a poco el director, Steve McQueen, nos va mostrando sus personajes, a partir de una aparente vacuidad de la cotidianidad, pero donde surge un dolor continuado que llevan a la pareja protagonista, a los dos hermanos, (fantástico Michael Fassbender una vez más que se merece todos los premios que le caigan y Carey Mulligan que ya nos atrapó en Drive, nos acaba convenciendo en este nuevo registro que se aleja de sus azucarados personajes) que requieren de interpretaciones que suelen ser premiadas, pero que han de ser difíciles porque requieren economía de gestos, donde no se producen diálogos que nos introducen, sino largos silencios, poco movimiento de cámara, planos secuencia largos donde el actor se desenvuelve sin música de fondo, ángulos tan torturados o tan llenos de vacío como los propios protagonistas... El sexo, la adicción al sexo, es una excusa, para introducirnos al infierno personal de un personaje que sufre, sobriamente, sin histrionismos, sin ninguna información que le redima, que le explique, que nos acerque a él. En definitiva una película que nos transmite mucho gracias al buen hacer del director, con su sobriedad expositiva (a destacar que en una de las pocas escenas de sexo, no del todo explícito, los encuadres, la utilización de la cámara lenta y la música, conceden a la escena un dramatismo que está muy lejos de llevarnos a la turbación que suelen producir ese tipo de escenas, magistral), y donde el papel que construye Fassbender es merecedor de todos los premios que quieran darle.

El origen del planeta de los simios, de Ruper Wyatt

Reconozco que cuando vi el tráiler de la película en el cine, lo primero que pensé es..."ni de coña". En el tráiler estaba toda la película explicada, en 1:20, y siendo una saga tan manoseada (o monoseada según se mire), la prudencia me exigía gastarme los 7 euros en alguna bebida espirituosa de alta graduación. Unos cuantos comentarios en twitter y la promesa de dos horas disfrutando de aire acondicionado de verdad (y no esta mierda de ventilador con unos cubitos delante que tengo en casa) me decidieron a incumplir mi juramento (oh, y también que en la cola había unas chicas despampanantes, pero, malditos multicines, se metieron en otra sala).
Lo cierto es que pese a mis reticencias la película entretiene, puede que el hecho de ir con muy pocas expectativas ayudó mucho, pero no te aburres. Los efectos especiales están muy bien, pero en el protagonista principal se ven un poco más de lo que se debería. Por cierto, como curiosidad César, el protagonista, está interpretado por Andy Serkis (Gollum, King Kong, etc). Junto a él están John Lithgow, que cumple a la perfección, Brian Cox que podría no haber estado (no hubiese pasado nada), Freida Pinto (hay floreros que tienen más papel) y Jess Franco, el protagonista junto con César, que está mejor que en las últimas en que ha participado, y finalmente Tom Felton, que sigue creyendo que es Draco Malfoy en una mala tarde.
La historia es entretenida aunque se aparta algo de lo que debería ser teniendo en cuenta lo que se nos explica en la primera de la saga. Por cierto, interesante guiño que se le hace cuando en un noticiario se está explicando la salida de la nave espacial en la que viajaba Charlton Heston, Icarus. De todas maneras El origen del planeta de los simios, es de estas películas que si decidís ir a verla puede entretener sin más, pero si no la veis, tampoco pasa nada. Ideal para gente con descendencia y gusto por las palomitas.

SUPER 8, de J.J. Abrams

Podría empezar diciendo que no había hecho la crítica de Super 8 porque antes quería ver las 7 restantes, pero he pensado que el chiste malo podría causarme deserciones en masa, así que elimino este recurso. El lector hará como si no hubiese leído la primera frase. Me ha costado más de una semana escribir sobre esta película una vez vista. Primero porque había cometido el error de leer excesivamente sobre ella antes de, segundo, porque no tenia clara la sensación con la que salí del cine y debía esperar a coger algo de poso, que en 10 días no ha cuajado como yo esperaba. Se trata de una grandísima película, una dirección impecable, superproducción que no deja detalle a la imaginación, etc. Es decir, valorados los elementos uno a uno y por separado todos tendrían unas notas excelentes, incluso la visión de conjunto, también sería alta o muy alta, entonces, ¿Por qué esta espera innecesaria para hacer la crítica? Ya lo he comprendido, fallaba una sola cosa, que para ser ecuánimes no le podemos cargar a la película. En mi caso ha fallado la mirada del espectador, la mía. Esta misma película siendo un teenager me hubiese vuelto loco, pero he perdido esa mirada ingenua que creo necesaria para verla y disfrutarla como merece. Demasiado cine, muchos guiños donde mirar y una mirada excesivamente contaminada puede provocarte que no disfrutes del todo de una película que tiene todos los ingredientes para disfrutar. J.J. Abrams poco a poco se está convirtiendo en una referencia en el mundo del cine, y con la supervisión de Spielberg, la pareja suma enteros.

También he leído que era una mezcla de Los Goonies y E.T., con todos mis respetos, a pesar de que podemos encontrar lo que yo prefiero llamar "guiños" tiene poco que ver (afortunadamente) y yo os recomiendo que la vayáis a ver (si es que todavía hay alguien que no lo ha hecho), pero intentar ir con la mirada de un adolescente (aunque lo seáis) y disfrutaréis el doble.

13 asesinos, de Takeshi Miike

13 assassins del gran cineasta japones Takashi Miike. Es una película de samurais, de la época del Shogun. Uno de los referentes actuales del cine de acción, incluso más allá de Asia que haría las delicias de Sam Peckimpah. Evidentemente la película nos lleva (voluntariamente) a referentes tales como Kurosawa. Es una historia de honor, el auténtico protagonista en cualquier película de samurais, ronins, etc. Es una película de diálogos, magistralmente rodada, con infinidad de personajes, con la violencia y dureza propia de la época, con referentes claros al cine clásico japones pero rodado de una manera moderna, con movimientos de cámara que están lejos del clasicismo estático de estos referentes, con banda sonora más occidental que oriental, con unos paisajes tremendos que realzan la belleza de la película, y con una escena final de lucha magistralmente rodado. Toda la película nos lleva a este apoteósico final, al que por ponerle una pega, le podíamos quitar el epílogo y algunos minutos de metraje intermedio, pero el resultado final es brillante, una obra de referencia. (De la crónica que hicimos del festival de Sitges) Fué la mejor película de las 20 que vimos durante el festival de cine de Sitges.

Insidious, de James Wang

El director James Wang i el guionista y actor Laigh Whannell tuvieron un exitazo en el 2004 con Saw y desde entonces buscan encontrar otro hito parecido, pero con Insidious no lo consiguen tampoco. Estamos ante el genero de terror y por lo tanto parece ser que la fórmula de los tópicos gusta a los amantes del género, por lo tanto aquí tenemos de todo. Casa encantada, fantasmas, poltergeist, niños, mediums, oscuridad por doquier, clímax musical en las escenas de susto ... Si estos clásicos os gustan, Insidious no os defraudará porque los tiene casi todos, pero eso no es garantía de éxito. La película en su primer tercio atrapa, la atmósfera y los personajes tiran de ella, pero conforme avanzan los acontecimientos, eso se va perdiendo y el resultado final chirría bastante. Cuanto más nos muestra, menos miedo da, mientras creaba atmósferas y no veíamos el origen del mal, la cosa tenia su aquel, pero conforme se hace patente la amenaza (un guiño: travestis y Marilyn Manson, algo de mucha risa) se pierde bastante, a pesar de los sustos inevitables, más por la música que por las escenas en sí, aunque sabes perfectamente en que momento habrá un susto. En general es entretenida pero la acumulación de tópicos del género la hace previsible hasta el final, a pesar de que los pocos avezados puedan quedarse algo perplejos. Adecuada para los que van al cine a atenuar los rigores del verano aprovechando el aire acondicionado y para teenagers que van a ver pelis de sustos para ver si "pillan cacho".

X Men: Fist Class, de Matthew Vaughn

Si el otro día en la crítica hablábamos de las secuelas en un tono más bien peyorativo a la vista del resultado de la película que decidimos criticar, en esta ocasión, con motivo de "videar" X-Men:First Class de Matthew Vaughn el tono tiene que ser forzosamente diferente. En esta ocasión la precuela tiene un tono muy interesante y abre una serie de posibilidades a la saga que parecía del todo finiquitada después de la tercera película de la saga y el capítulo de Lobezno. Entre la dirección de Vaughn, el guión y la labor que hace en la producción ejecutiva de Brian Singer, que se nota, y un casting de actores en que no hay ninguna gran estrella (ni falta que hace en ocasiones) pero con un nivel muy bueno de algo más que jóvenes promesas del cine, en especial la presencia de Michael Fassbender (que ya pudimos ver en Inglorious Basterds) y Kevin Bacon haciendo de malo, que es el registro en que más nos gusta.
El resultado, aunque no sea del todo redondo es más que interesante, con bastante equilibrio entre la acción y los efectos especiales, con un guión elaborado y una interpretación más que convincente y que puede sacar incluso mucho jugo a una nueva espiral de películas de la saga que con esta especie de precuela parece haberse abierto una puerta que puede convertirse en una interminable cantidad de desatinos si no se juega con inteligencia, la que tiene esta película. Evidentemente también tiene momentos de más baja intensidad y no resueltos del todo, pero en general es una película más que aceptable que satisfará especialmente a los amantes del cómic, o a la mayoría.

Piratas del Caribe 4: en mareas misteriosas, de Rob Marshall

Después de mucho tiempo volvemos con una crítica a una película de la cartelera, y en este caso a la taquillera Piratas del Caribe 4: en mareas misteriosas, de Rob Marshall. La crítica, para ser honestos, podría resumirse en un "más de lo mismo" ya que no aporta nada nuevo relevante a las anteriores 3, la saga se va diluyendo poco a poco en una fórmula que por otra parte consigue lo que pretende, entretener. En esta ocasión elegimos verla en 3D por ver si estos efectos introducen alguna novedad digna de mencionar, y la verdad, introducir no introducen nada, pero sacar si, y es que pagar 10 euros más uno por las gafas, no resulta muy gustoso para el cinéfilo, independientemente de la crisis económica. En general la película entretiene, pero falta algo de acción en comparación con las precedentes, y eso hace de ella una película de las que se olvida con facilidad. Johnny Deep sigue explotando a Jack Sparrow, pero no hay ningún elemento diferente respecto a las otras. La primera fue primorosa, las otras dos no la superaban pero tenían buen nivel, aunque con la tercera ya se intuía una cierta fatiga, la cuarta era prescindible del todo, pero está bien para una tarde de domingo lluvioso y en que no se tiene mucha idea de que hacer ni de pensar en que hacer. Una cosa buena de la película es que se ha prescindido de la trama Keyra - Orlando y que la química entre Penélope Cruz y el señor Deep es bastante buena. De todas maneras esperamos que el excelente actor que es el señor Deep seleccione de ahora en adelante mucho más sus participaciones y nos destape de una vez por todas el tarro de las esencias que sabemos que lleva dentro.

Chico & Rita, de Fernando Trueba y Javier Mariscal

Creo que debo empezar la crítica de esta película Chico & Rita, de Fernando Trueba y Javier Mariscal diciendo esto... Si no la habéis visto, ya estáis haciendo lo posible por ir cuanto antes al cine a verla, no os defraudará en absoluto. La historia es de esas clásicas de las que ya no se hacen, una historia de amor y desamor, que logra hacerte un pequeño nudo en la garganta, que no por muy vista, deja de impresionarnos. El dibujo nos atrapa, nos hace querer viajar en el tiempo a la habana prerevolucionaria o al New York de los 50, con un poder de sugerencia realmente envidiable, más que sugestivo y que no es difícil reconocer los ambientes en que se mueven los protagonistas. Y por último la música, el protagonista más importante de todos, que en total sincronía con el dibujo, esa mezcla de dibujo artesanal y digital, nos atrapa y nos hace ir de un lado para otro y ese nudo que trababa la propia historia, el piano de Bebo Valdes nos deja aturdidos y con los ojos humedecidos, más por la belleza que por otra cosa. Una música en que rememoramos la época de Charlie Parker, Dizzie Gillespie, Tito Puente, Chano Pozo o Cole Porter mientras el piano de Bebo es omnipresente y maravilloso, hasta llegar a Estrella Morente. Ya solo por la música valdría la pena pagar la entrada, pero no sólo es eso, es mucho más y creemos que es una película de imprescindible visionado y no entendemos como no estaba nominada para la mejor película en estos pasados y recientes Goya. ¿Dios, por qué razón no se tocar el piano de esa manera?

TRUE GRIT (Valor de ley), de Joel y Ethan Coen

Uno sale del cine con la sensación de haber visto una gran película cuando sale de la sala grande de True grit (Valor de ley), la nueva aventura de los hermanos Coen, quizás no es la obra maestra (ni falta que hace) pero es muy buen cine que te mantiene en tu butaca con la satisfacción no haber malgastado el dinero. A parte de la historia (no por conocida es menos buena), la interpretación, la dirección, la banda sonora, la fotografía, TODO tiene tintes de oscar y es que puede arrasar o no ganar ninguno, pero seria injusto que no se llevara unos cuantos.
Cómo ya han repetido hasta la saciedad los Coen, no se trata de un verdadero remake de la película de Hathaway, simplemente esta nueva True grit sigue fielmente el libro de Portis en que se basan ambas, por lo tanto no voy ha meterme en cual es mejor. Esta es una gran película y tiene todo lo que se le puede pedir a un western, y todo de calidad. La combinación de los Coen y Spielberg en un mismo proyecto no podría dar otro resultado que este que comentamos. El apartado interpretativo es de escándalo pero sin estridencias. Jeff Bridges, al que amamos hasta el infinito, con los Coen parece que se supera a si mismo y llega a niveles que ya le precedieron con "el nota". Puede que haber ganado el oscar el año pasado le reste opciones en el presente, pero su composición de Rooster Cogburn es sencillamente fantástica y aunque no hace olvidar al que en su día le valió al oscar a John Wayne, no tiene nada que envidiar, eso sí, no logra lo que hemos leído en algunos periódicos (¿serios?) en que Jeff es más icónico que Wayne, y eso si que no. Por mucho que nos guste Wayne, todavía no se ha ganado galones para desbancar al duque a pesar de que los dos llenen la pantalla, no les hace falta hablar para ello. A parte de Bridges, Josh Brolin y Barry Pepper los dos en un papel muy secundario pero relevantes, Matt Damon (Laboeuf) que sigue reivindicándose y dándonos una buena muestra de su versatilidad y una aparición que nos llena de esperanza, la de la jovencísima Hailee Steinfield, que pese a su juventud e inexperiencia borda el papel de Mattie Ross, que aunque no llega a ser tan repelente como en su día lo interpretó Kim Darby habrá que seguir el camino de esta actriz en un futuro que se presenta muy prometedor.
La historia no por conocida deja de atraparnos donde no creo, como también hemos leído, que los Coen hayan reinventado el género, pero si que los que lo dan por muerto pueden comprobar que como el ave fenix, surge de sus cenizas. Una película donde los anti-héroes y el individualismo típico del western se pueden ver mucho más evidentemente que en otro tipo de films y que nos hace identificarnos con esos personajes extremos.

La red social, de David Fincher

Por fin una de esas raras películas en que el público y la crítica coinciden. David Fincher, con un pasado publicitario y videoclipero, ha logrado labrarse un prestigio con sus películas que ha ido haciéndose un nombre con el paso de los años. Con La red social Fincher consigue algo a priori muy difícil, hacer que una historia que daría para un corto y muy poquito más de para dos horas y mantenernos atentos y pendientes de la historia de principio a fin. Una parte del enorme mérito hemos de darlo también a Aaron Sorkin, que consiguen dar a la historia (independientemente de su veracidad) un interés que más allá del hecho de que Facebook se ha convertido en un fenómeno de masas, no pasa de ahí. Sin embargo la manera de explicar esta historia es brillante en su narración, excepcional incluso diría yo, con un juego de flasbacks que explican con ritmo, dinamismo e interés el antes y el después de la relación entre todos los que se disputan la idea original de facebook en especial a las figuras de Mark Zuckerberg, Eduardo Saverin, los gemelos Winklevoss y Divya Narendra. La envidia, la traición, la pérdida de la amistad, la decepción, la búsqueda de notoriedad, el mundo pijo de Harvard y la dificultad de establecer la autoría de una idea están mostradas con brillantez, con una perfección y unos recursos artísticos que dejan pasmado (la escena de la competición de remo es especialmente aleccionadora sobre ello). Una historia de frikis informáticos, pijos universitarios mezclado con las tramas de diversos litigios podría haber sido una llaga de película en otras manos, sin embargo Fincher, con un montaje sensacional, nos lo transforma en lo que en el futuro podría ser un clásico ya que estructura diversos puntos de vista, incluso morales, con una perfección insólita en el cine actual.
Respecto al reparto es justo atribuirle parte del éxito. Jesse Eisemberg está brutal en su papel de Zuckerberg al que te gustaría darle un par de "ostias" bien dadas, y Justin Timberlake (haciendo de Sean Parker, el creador de Napster) también es destacable en un reparto que es también clave en el éxito de la película. Una muy buena película que demuestra que gran producción no está reñida con la calidad y la independencia. Lo de menos es si la película está muestra la verdad o no ya que la hace creíble y pasamos dos horas con diálogos brillantes e intensos para descubrir que, como en la mayoría de casos, los grandes ideas se tienen para ligar y aparentar.

MACHETE, de Robert Rodriguez

Ya se ha estrenado Machete, de Robert Rodriguez y Ethan Maniquis. Resulta difícil encuadrar a Machete partiendo de la base que machete surge de un "fake trailer" en la broma que ya era Grindhouse. Esa broma a 4 manos que tejieron Quentin Tarantino y su aventajado alumno Robert Rodriguez. La broma generó una broma, y esta a su vez esta gamberrada extrema que es Machete. Hemos leído muchas críticas feroces a todo aquello que participa de esta producción pero nosotros lo único que podemos decir es que hemos disfrutado, nos hemos divertido muchísimo viendo una película que en ningún momento se toma nada en serio a si misma, simplemente creemos que se trata de un grupo de colegas que se lo pasan bien y saben perfectamente en lo que participan y no van a ganar ningún premio ni prestigio (pese a que muchos se rasguen las vestiduras al ver participar de la gamberrada a Robert de Niro por ejemplo). No podemos pretender buscar cine de autor, interpretaciones creíbles, una estructura o el ritmo adecuado, simplemente nos propone ver un entretenimiento basado en la violencia desmedida (y por eso mismo del todo divertida, por lo increíble que es todo, grotesco incluso), guiños cinéfilos constantes (¡De Niro vuelve a ser un taxi driver), actores rescatados del olvido, litros de sangre y montones de cadáveres, millones de tiros, muertes a cual más grotescas (¡Por primera vez en mi vida me lo he pasado bien viendo a Steven Seagal!), altas dosis de erotismo, temas serios tratados sin ningún tipo de profundidad y sin tomar partido, tan solo como broma (el racismo y las políticas inmigratorias), y un largo etcétera de cosas que podríamos destacar. Si vais a verla poned el chip de saber lo que vais a ver y podréis disfrutar de los actores (Danny Trejo en su primer papel protagonista, Jeff Fahey, el Lapidus de Lost; Robert de Niro, Steven Seagal, Don Johnson, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Lindsay Lohan, Cheech Marin, Tom Savini), de una película absurda y de ese humor tan particularmente negro que está presente en la mayoría de producciones de la escuela de Tarantino y Rodriguez. Si pretendéis buscar otra cosa puede que no disfrutéis tanto. Por cierto, impagables las escenas de la "cuerda" para saltar por la ventana y el móvil de la chica... (y en general cualquiera en que las que salen Jessica, Michelle, o las hermanas Avellán).

SUBMARINO, de Thomas Vinterberg (8)

Vuelve Thomas Vinterberg (uno de los fundadores del movimiento Dogma junto con el gran Lars Von Trier) con el tema que le ha dado más alegrías cinematográficas (Celebration), la familia. Con Submarino, Vinterberg nos muestra una situación extrema, un drama en que no nos ahorra ni un sólo detalle escabroso, nos muestra una realidad exageradamente dramática sin que adivinemos mucho en el film el sentido, pero el estilo y la interpretación es excelente. Atención al actor Jakob Cedergren, la contención con la que realiza su papel es impresionante y destaca con mucho, y aporta credibilidad a una historia que por extrema, en ocasiones puede parecer poco creible.

La historia de dos hermanos empieza con un prólogo realmente bueno, que pone en antecedentes sobre la situación, explica, para luego explicar la historia por separado de los hermanos y hemos de de decir que la segunda es con diferencia la historia más floja, entre otras cosas porque la interpretación que se hace del hermano pequeño no llega ni de lejos a la brillantez del mayor. Finalmente las dos historias se encuentran en un epílogo que llega y emociona pese a su sencillez y que recobra el tono perdido en la segunda historia. En definitiva una película de bajo presupuesto pero que resulta un buen drama y que nos da una buena muestra de la pujanza del cine nórdico. La soledad, la profunda soledad de los personajes, junto con la culpabilidad, el fracaso, la exclusión, la imposibilidad de empezar de nuevo sin contar con el pasado y otros temas tangenciales salen a la luz en esta historia extrema de crudeza y frialdad, no solamente en la temática y en los fríos paisajes (tanto interiores como exteriores) de la Dinamarca natal del director, sino incluso en la manera de usar la cámara y la luz.

Pese a algunas debilidades que pueden observarse en el film, podemos hablar de que es una buena película. Si, es una de esas películas de autor (eso que antes llamaban de Arte y Ensayo), es una película lenta (pero no excesivamente), con muchos silencios (algunos de ellos tremendos), pero sobretodo la primera hora y media de metraje pasa en un suspiro y sobretodo, retrata perfectamente la soledad que los que no viven en ambientes tan extremos, también pueden experimentar. Totalmente recomendable.