67 Mostra internazionale d'arte cinematografica Venezia 2010

Ya se han fallado los premios de la Biennale de Venezia en este 2010 y tras mucho deliberar, el jurado presidido por Quentin Tarantino ha decidido repartir los premios de la siguiente manera:

León de Oro para Somewhere, de Sofia Coppola
Gran premio del jurado para Essential Killing, de Jerzy Skolimowski

León de Plata a la mejor dirección para Álex de la Iglesia por Balada triste de trompeta

Copa Volpi al mejor actor para Vincent Gallo por Essential Killing

Copa Volpi a la mejor actriz para Ariane Labed por Attenberg

Osella al mejor guión para Álex de la Iglesia por Balada triste de trompeta

Premio Marcello Mastroianni al mejor actor/actriz revelación para Mila Kunis por Black Swan de Darren Aronofsky

Premio a la mejor ópera prima para Seren Yüce por Majority

León de Oro especial para Monte Hellman

Para más información clicka aquí y verás todos los premios con detalle y toda la información sobre la biennal.

Felicitamos a Sir Álex por su triunfo ya que es un triunfo de cierto tipo de frikismo que compartimos en gran medida. Aupa Álex!!!

SUBMARINO, de Thomas Vinterberg (8)

Vuelve Thomas Vinterberg (uno de los fundadores del movimiento Dogma junto con el gran Lars Von Trier) con el tema que le ha dado más alegrías cinematográficas (Celebration), la familia. Con Submarino, Vinterberg nos muestra una situación extrema, un drama en que no nos ahorra ni un sólo detalle escabroso, nos muestra una realidad exageradamente dramática sin que adivinemos mucho en el film el sentido, pero el estilo y la interpretación es excelente. Atención al actor Jakob Cedergren, la contención con la que realiza su papel es impresionante y destaca con mucho, y aporta credibilidad a una historia que por extrema, en ocasiones puede parecer poco creible.

La historia de dos hermanos empieza con un prólogo realmente bueno, que pone en antecedentes sobre la situación, explica, para luego explicar la historia por separado de los hermanos y hemos de de decir que la segunda es con diferencia la historia más floja, entre otras cosas porque la interpretación que se hace del hermano pequeño no llega ni de lejos a la brillantez del mayor. Finalmente las dos historias se encuentran en un epílogo que llega y emociona pese a su sencillez y que recobra el tono perdido en la segunda historia. En definitiva una película de bajo presupuesto pero que resulta un buen drama y que nos da una buena muestra de la pujanza del cine nórdico. La soledad, la profunda soledad de los personajes, junto con la culpabilidad, el fracaso, la exclusión, la imposibilidad de empezar de nuevo sin contar con el pasado y otros temas tangenciales salen a la luz en esta historia extrema de crudeza y frialdad, no solamente en la temática y en los fríos paisajes (tanto interiores como exteriores) de la Dinamarca natal del director, sino incluso en la manera de usar la cámara y la luz.

Pese a algunas debilidades que pueden observarse en el film, podemos hablar de que es una buena película. Si, es una de esas películas de autor (eso que antes llamaban de Arte y Ensayo), es una película lenta (pero no excesivamente), con muchos silencios (algunos de ellos tremendos), pero sobretodo la primera hora y media de metraje pasa en un suspiro y sobretodo, retrata perfectamente la soledad que los que no viven en ambientes tan extremos, también pueden experimentar. Totalmente recomendable.

I'M STILL HERE

Este 10 de septiembre se estrena en EEUU el esperado nuevo trabajo de Joaquin Phoenix, I'm still here (The lost year of Joaquin Phoenix); rodado en formato de falso documental sobre la supuesta vida del propio actor cuando dejó el mundo del celuloide para pasarse al Hip-Hop.
Hay que destacar la manera en que está organizado el trailer, ya que da a entender el problema de las elecciones vitales en un determinado momento de la vida: elegir un determinado camino, optar por una opción para negar la otra, es lo que caracterizó de una manera harto más interesante el filósofo existencialista Jean Paul Sartre cuando argumentó que cada elección efectiva era un acto voluntario de elección de uno mismo: determinar qué voy a hacer en un momento dado es elegirme. ¿Eligió Phoenix realmente esta movida que seguramente puede ser perjudicial para su carrera, pero que como mínimo hará de su trabajo algo imperecedero, o al menos, de mucha mayor duración que cualquier trabajo de cualquier otro de los actores de su generación?
No se vosotros, pero yo estoy ya deseando verla a pesar de que no hay fecha de estreno en España que nosotros sepamos, lástima porque ya salivamos cuales perros de Pavlov... Aquí os dejamos la el trailer y la entrevista de lo más complicada que tuvo el actor en el Show de Letterman y que provocó ríos de tinta en su día y que no forma parte de la promo. Vale la pena ver esos 10 minutos que no forman parte de la película. ¿Está actuando o no?

Predators, de Nimród Antal (5)

Una nueva película del monstruo que ya conocemos, pero lejos de la franquicia que nos acosaba junto con los bichos de Alien, intenta recuperar el espíritu de serie B cuando el "predator" se las tuvo que ver con Schwarzenegger allá por los años 80. Digo intenta porque a pesar de que ya conocemos la historia hace décadas, en este Predators de Nimrod Antal (y producido por Robert Rodríguez), se nota un esfuerzo por volver a la fuente original de John McTiernan. El bicho no aparece hasta casi el final, la acción se ve eclipsada por el suspense y el agobio ambiental, no es demasiado gore, pero... es una película sin sorpresas. Pese a la buena voluntad de director y productor, con un grupo coral actoral muy eficaz (con un testosteronado Adrien Brody como émulo del gobernador de California) se nota que hay un intento sincero pero no llega a donde quieren puede que por la propia saturación del producto, que una vez conseguida, difícilmente es posible volver al estado puro inicial. Además se encuentran a faltar los toques de humor característicos en los productos de Robert Rodriguez, es demasiado básico y a pesar de que no carece de una cierta dignidad para los amantes del género, hay algunos fallos garrafales de guión y el climax final (spoiler) no debía haberse alargado con ese giro del todo innecesario (fin del spoiler).

Un juego de inteligencia, de Hans Weingartner (6,5)

Estamos ante una película ambivalente que genera diversas lecturas. Por una parte, la más positiva, hay una denuncia social en Un juego de inteligencia con propuesta de cambio, y eso es algo que se agradece de veras en el cine actual, tan falto de ese espíritu. La propuesta es algo sabido, la televisión atonta, la televisión basura genera descerebrados pero la audiencia manda. Se seguirá haciendo TV basura mientras la gente la consuma. ¿Que pasaría si manipulásemos los índices de audiencia en función de que la propuesta televisiva fuera más cultural? Este planteamiento que confronta los "realitys" a la programación del cine de Fassbinder en "prime time" es interesante, no tan solo para hacerlo a nosotros mismos en un momento de reflexión, sino incluso para programar la película en los colegios, como afectan en nosotros los mass media y la televisión en particular. Pero por otra parte el planteamiento del film, el guión se nos muestra de lo más poco profundo y en un tono de fábula excesivamente increíble donde los inadaptados sociales pueden con todo y con todos de una manera infantil, e incluso pasa por temas complejos con un aparente tono de parodia que no creemos que fuese el planteamiento buscado por su director Hans Weingartner (Los edukadores). La sensación de dispersión se hace presente en varios momentos de la cinta a pesar del esfuerzo notable del protagonista Moritz Bleibtreu (El experimento, Soul Kitchen,...) que se nos muestra como un gran actor a cada film en que participa, rodeado de comparsas que se intuyen más como personajes humorísticos que no como el rol que parece que deberían interpretar.
En definitiva una película que tiene aspectos valorables desde varias perspectivas pero no precisamente como película en sí. La inteligencia del título parece que se desvanece más por la indolencia del tratamiento del guión que en si con la plasmación de su trabajo.

Inception (Origen), de Christopher Nolan (7,5)

Puede que a algunos no les gusten las grandes producciones de Hollywood porque las encuentren carentes de autenticidad, pero con Inception (Origen), Christopher Nolan consiguen dignificar las grandes producciones que por lo general decepcionan. No es una obra maestra, le falta bastante para serlo, pero realmente es un producto de lo más digno como opción este verano tan famélico de cosas interesantes que llevarse a los ojos. Puede gustar más o menos, pero nadie que haya ido a la sala pensará que le han tomado el pelo, que ha tirado el dinero (a pesar de que no le guste). Nolan ya nos planteó un reto a nuestra capacidad en Memento, y ahora lo vuelve a hacer no desde los recuerdos sino con la posibilidad de quitar y poner ideas en nuestra cabeza a través de los sueños. La trama es compleja pero no complicada y resulta algo pesado que en el guión se intente explicar tantas veces. Adolece de algunas cosas pero tiene otras bien realizadas y el resultado final es que no me importaría volver a verla en cine para fijarme en los detalles. Los efectos visuales son desbordantes pero en ningún momento la película se apoya en ellos, hay un guión, un intento de profundidad que no quiere escudarse en ellos (algo mal resuelto por excesivo con sobre explicación, como si Nolan pensara que podía perder a los espectadores como en Memento). La música está a la altura de la película y los actores destacan por encima de todo, y a pesar de ser un reparto bastante coral, Leonardo DiCapri sigue demostrando que es un grandísimo actor a pesar de que reparte filias y fobias por igual. Marion Cotillard está excelente, Ellen Page no deja de sonarnos a Juno pero era necesario ese punto de inocencia que despide tras sus poros, Ken Watanabe se acerca a la réplica de Leonardo, Joseph Gordon-Lewitt tiene alguna escena memorable como la batalla en gravedad cero o el arte de hacer paquetes con personas, el regalo que le hace Nolan a un decadente Tom Berenguer y lamentamos que el gran, el enorme Michael Caine tenga tan solo un papel testimonial. En definitiva, recomendamos la película por su bella factura, su ritmo, su intento de profundidad, sus actores, su banda sonora y algunas otras virtudes. Todo ello no cuaja de una manera sublime pero te hace pasar el rato pensando (sobre el tiempo, los sueños, propuestas morales o sobre si te vas a perder en algún momento) a la vez que disfrutando visualmente. No es el mejor Nolan, pero es una digna obra que volveremos a revisar con lupa en breve ya que combina acción trepidante, thriller psicológico y ciencia ficción junto con una historia de amor; supongo que por eso pensó que debería pasar de las dos horas de rigor y fue alargando el climax un poco más, pero se le perdona.

London River, de Rachid Bouchareb (5,5)

London River, de Rachid Bouchareb nos pone en un escenario terrorífico, no sólo porque sus personajes sean familiares de las víctimas del terrorismo, sino porque se sitúan en ese infierno que es la incertidumbre. Ese particular infierno de los que buscan y no encuentran, los que desconocen lo que ha deparado la fortuna y se niegan a aceptar la fatalidad. El racismo es otro de los temas que tienen un peso importante, pero que no se ha sabido captar en absoluto ya que retrata a los inmigrantes de un modo muy poco realista, y la actitud racista de la protagonista, excesivamente melodramática. Como suele suceder en las películas de autor, lo destacado por el público son los actores Brenda Blethyn, que lleva el peso de toda la película y Sotigui Kouyaté, que lo que aporta sobretodo es presencia ya que en muchas ocasiones simplemente está en el encuadre y no refleja apenas emociones. Personajes muy alejados entre sí que se encuentran de manera parsimoniosa que no aspira ser una narración épica, pero tampoco se adentra en ninguno de los aspectos de los que toca. Se echan de menos algunos detalles que hubiesen podido dar mucho más de si, ya que en ocasiones se puede pensar que hubiese sido un excelentísimo cortometraje, pero también puede ser un interesante ejercicio de reflexión al espectador que esté atento a la pantalla.

Gainsbourg (vida de un héroe), de Joann Sfar (7,5)

Estamos ante una película altamente recomendable y que no se debería dejar pasar así como así. En ella se da un repaso a los momentos cruciales de la vida de Serge Gainsbourg, o mejor dicho, al personaje que creó ante los medios de comunicación, pero no se trata de un biopic al uso, sino de un modo fantasioso y cercano al cuento, no en vano el director de la película Gainsbourg (vida de un héroe), Joann Sfar también se dedica al mundo del cómic, y eso se nota. A la vez que nos muestra esos momentos de la vida de Gainsbourg en los que no profundiza, y eso se agradece, se alternan momentos en que realidad y fantasía se fusionan. El resultado no es una obra de arte, pero es lo suficientemente estimulante como para pasar un buen rato mientras se disfruta de una banda sonora que hará las delicias de los espectadores de cierta edad. Lo más sorprendente y quizás lo mejor del film sea la interpretación de Eric Elmosnino. Su interpretación es prodigiosa y su parecido es más que razonable y adopta todos aquellos tics del cantante de una manera realmente apabullante sin caer en la parodia en ningún momento. También resulta sorprendente cómo logra parecerse Laetitia Casta a BB. Una buena opción en un verano algo aburrido en las carteleras, comme d'habitude y una excelente ocasión para empezar a descubrir la vida de este gran crápula que si en vez de francés hubiese sido americano, hace años que ya se habrían hecho películas sobre él.

PATRICIA NEAL (1926-2010)

A pesar de no ser una de las actrices más conocidas de Hollywood, Patricia Neal ha participado en algunas películas míticas, como El manantial (1949), de King Vidor y junto a Gary Cooper (por cierto, una obra maestra), también en Desayuno con diamantes (1963) de Blake Edwards, Ultimátum a la tierra (1951) de Robert Wise donde conoció al que seria su marido, el escritor Roal Dahl o Hud (1963) de Martin Ritt y junto a Paul Newman que le valió un Oscar de la academia.

Dos películas innecesarias

Con la canícula arrasando las calles de los lugares habitados, el paseante necesitado de descanso y una buena ración de aire acondicionado se mete en el primer cine que encuentra, sólo así puede justificarse la visión de algo como Noche y día de James Mangold, película de dentaduras impolutas, vacío de ideas y de efectos de vergüenza. Esta mezcolanza de thriller romántico y película de aventuras inverosímiles con dos actores, Cameron Díaz y Tom Cruise, que tienen menos química entre ellos que la versión infantil de quimicefa no aporta absolutamente nada, aburre y a pesar de cierta factura de buen nivel en algún tramo y te hace arrepentir de haber escogido la opción cine refrigerado antes que el infierno de asfalto. Ni siquiera se trata de una película palomitera. Es de mención lo cutre de los efectos de los San Fermines de Sevilla, si, no me equivoco, la localización es tan mala como la ejecución de los efectos.

La otra opción que aquí desaconsejamos fue visionada no por fuerza mayor, como la otra sino como elección, se trata del intento de renovación de la saga de Freddy, un film totalmente innecesario. Pesadilla en Elm Street: el origen de Samuel Bayer no aporta absolutamente nada al personaje (más bien al contrario) le despoja de todo el humor negro y enfermizo del personaje que en su día bordó Robert Englund y lo convierte en un cuento para asustar a niños pequeños al rededor de una fogata. A pesar del empeño de Jakie Earle Halley (Rorschard en Watchmen), la película se olvida incluso antes de salir del cine y no aporta ni un solo elemento que no conociéramos ya de la saga, a diferencia del remake de Halloween de Rob Zombie que nos acerca a la infancia del personaje de Michael Mayers. La factura y el resto, tampoco harán destacar a este director con nombre de aspirina.

El mundo del gran RAY HARRYHAUSEN

Aprovechando que Ray Harryhausen ha cumplido 90 años el Museo del Cine de Londres le ha dedicado una exposición antológica (ved aquí) y en Los Angeles, su ciudad natal, también se está celebrando otra exposición con parte de su obra en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (ved aquí). En el mundo del cine donde la tecnología avanza a marchas forzadas (3D) y donde muchas veces se utiliza gran parafernalia tecnológica y digital para esconder una alarmante falta de ideas, la figura de Ray Harryhausen aparece como un faro en la noche, como el artesano del cine que tiraba de ingenio para salir adelante de las más impensables empresas.
Jason y los Argonautas, Furia de Titanes, Simbad y la princesa, Los viajes de Gulliver o La isla misteriosa son algunas de las películas a las que él puso su talento y saber hacer para que la imaginación de millones de personas su pusiera a funcionar al ver sus creaciones a partir del "stop motion" o el "dynamotion", las técnicas que inventó y perfeccionó para animar a sus criaturas en la gran pantalla. Vistas hoy por las nuevas generaciones pueden parecer irrisorias si las comparamos con la infografía con que se adornan los nuevos lanzamientos, pero mirándolas con otros ojos vemos auténtica arqueología cinéfila y encontramos ese regusto a artesanía en una época en que el control sobre el producto era más una cosa de genio, de artista, que no de presupuesto.
Para disfrutar más de la obra de Harryhausen ved estos dos links: la página web oficial y página de los fans.

CICLO AKIRA KUROSAWA

La Casa Asia de Barcelona está celebrando un ciclo de cine sobre Akira Kurosawa (1910-1998) que va desde los años 40 hasta los 60, que se completará en octubre con un segundo ciclo que abarca algunos de sus títulos posteriores. Este es considerado el año Kurosawa al coincidir con el centenario del nacimiento del aclamado director.
Kurosawa es con todo merecimiento el director japonés más reconocido a escala mundial (con todos los respetos a Ozu y el resto), no sólo por su originalidad, calidad e influencia dentro del cine japonés sino porqué, sin duda alguna, nos encontramos ante uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Su influencia va mucho más allá del cine japonés e impregna a cualquier cinéfilo que se tenga como tal, ya sea director o simple aficionado.
La amplitud de los temas tratados, la diversidad de las influencias artísticas recibidas (Shakespeare, Tolstoi, Dostoievski, Gorki, Simenon, Esquilo, el Kabuki, el western, Capra, Wyler, Hawks, i el seu director favorit, John Ford) hacen de su cine una obra universal que trasciende totalmente un universo japonés que sirve para centrar la acción, pero podría tratarse de cualquier parte del mundo y en cualquier época, ya que sus referentes son totalmente atemporales y de un humanismo desbordante. Viendo sólo una pequeña muestra de los autores que le citan (casi siempre más con veneración que con admiración) como referente e influencia directa, nos damos cuenta que cuando hablamos de Kurosawa debemos hacerlo mientras realizamos una reverencia y genuflexión; no puede ser que tantos y tan grandes autores estén de acuerdo en algo por casualidad:
Sergio Leone, Andrei Tarkovski, Satyajit Rai (trilogia de Apu), Ingmar Bergman, Federico Fellini, Bernardo Bertolucci, Robert Altman, Sidney Lumet, Sam Peckinpah, Roman Polanski, Steven Spielberg, George Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Shang Yimou, Takeshi Kitano, Werner Herzog, Spike Lee, Abbas Kiarostami, Quentin Tarantino, ... no conocemos nadie que provoque tanta unanimidad a la hora de alabarlo y reconocer la influencia grande o muy grande en su propia obra.
En cuanto a lo que su filmografía se refiere, ha sido motivo de reconocimiento mundial tanto por parte del público como de la crítica, como no podía ser de otro modo, y su cine ha sido plagiado u "homenajeado" en muchas ocasiones y en muchos lugares. Entre sus muchas obras destacaremos: Yojimbo (1961), Rashomon (1950), Los siete samurais (1954), Trono de sangre (1957), Dersu Uzala (1975), Ran (1985), Vivir (1952), Kagemusha (1980), etc...
Si vivís en Barcelona pasaos por La Casa Asia para ver la programación (o en su página web) y si no, siempre es un buen momento para visionar sus películas a través del dvd. Siempre es un buen momento para ver cualquier película de Kurosawa, sobretodo descubrirlo, que produce un placer como pocos, y por mucho que ya las hayáis visto, cada vez que se vuelven a ver, se descubren cosas nuevas que antes nos pasaron desapercibidas,. Su sutileza es exquisita, así como su maestría tras la cámara. Maestro, felicidades!!!

HUMPHREY BOGART

Bogart ejemplifica el tipo duro pero sensible lleno de cinismo y con un alto grado de melancolía, un cinismo que no es más que un coraza con la que protegerse de este mundo tan incomprensible.

Humphrey Bogart nació el 23 de enero en 1899 en Nueva York en el seno de una familia de clase media. Participó en la Primera Guerra Mundial donde sufrió un accidente que le semiparalizó su labio superior, lo que le otorgó esa peculiar forma de hablar.

Al acabar la guerra y tras pasar por Broadway sin mucho éxito se trasladó a Hollywood, en donde debutó en el cine en "A devil with women" (1930). Sin embargo, esto no fue más que el comienzo y hasta llegar a esa imagen de hombre curtido por el crujir de los días, un tipo que ha visto demasiado y que está de vuelta de tantas cosas, intervino la madre de todas las ciencias: el azar.

La primera intervención de la fortuna fue cuando Archie Mayo consideró que Bogart podía repetir en el cine el personaje que ya había encarnado en el teatro en El bosque petrificado. Bogart realiza una interpretación enloquecida de un gangster amargado, con el gesto contraído, los brazos mortecinos y rígidos, con un aire chulesco y desquiciado que llama la atención. Bogart se encasilló en una serie de papeles de gangster de segunda, de villano de mediopelo o similares en películas para la Warner como Dead End (1937) de William Wyler, Angeles con caras sucias (1938) de Michael Curtiz o Los violentos años veinte (1939) de Raoul Walsh, estas ultimas junto a James Cagney.

Su segundo golpe de suerte llega con El último refugio (1941) de Raoul Walsh, cuando Bogart ya tenia más de cuarenta años a punto de diluirse entre tanto cine policíaco. Era su último cartucho, como el personaje de la película, Roy Earle, un gangster en su ocaso, alguien que da sus últimos coletazos en una sociedad que no le acepta, una interpretación memorable que le permitió ese mismo año interpretar la que se considera película fundacional del género negro: El halcón maltés, de John Houston. Fue la aparición de un nuevo Bogart, con todas las características que le acompañarían en los personajes que interpretaría desde entonces y que le convirtieron en mito y en la imagen que hoy tenemos de él. Era un personaje duro pero a la vez que soñador y romántico, con un código ético muy personal y único.

Al año siguiente, "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz haría de él un ídolo y un mito para todas las generaciones cinéfilas. Los títulos en los años 40 (además de los citados) son sobrecogedores: "Sahara" (1943) de Zoltan Korda, "Tener y no tener" (1944) -otro título clave ya que conocería al amor de su vida, Lauren Bacall- de Howard Hawks y "El sueño eterno" (1946) de Howard Hawks, donde se convierte para siempre en Philip Marlowe, un personaje que escupe unos diálogos impregnados de un sentido del humor agrio, hiriente, que revelan su desconfianza en el género humano, a la par que muestra su enorme atractivo hacia las mujeres; es este un film de atmósfera, de ambiente, donde predomina la oscuridad, las calles húmedas, los tonos sombríos como si todo fuera una metáfora del ambiente de corrupción y decadencia generalizada del que emerge la integridad de Marlowe. Siguió su trayectoria con "La senda tenebrosa" (1947) de Delmer Daves, "Callejón sin salida" (1947) de John Cromwell, "Cayo Largo" (1948) de John Huston, "El tesoro de Sierra Madre" (1948) de nuevo con Huston, con quien tenía una gran relación de amistad y alcohol,o "Llamad a cualquier puerta" (1949) de Nicholas Ray.

Si los cuarenta fueron buenos los cincuenta serían también por el mismo estilo en su primera mitad ya que el fatal desenlace de su enfermedad nos privaría del gran Bogey para siempre. "En un lugar solitario" (1950) de Ray, donde la imagen de Bogart caminando por una calle humeda al amanecer queda para la posteridad, "La reina de Africa" (1951) de John Houston, quintaesencia de las ganas de vivir, "El cuarto poder" (1952), una historia sobre el periodismo de Richard Brooks, "La condesa descalza" (1954) de John L. Mankiewicz, con un Bogart inolvidable recordando a Ava Gardner en un cementerio mientras la lluvia se desliza por su sempiterna gabardina, "La burla del diablo" (1954) de John Huston, "El motín del Caine" (1954) de Edward Dmytryk, "Sabrina" (1954) de Billy Wilder, "Horas desesperadas" (1955) de William Wyler y su último film, ambientado en el boxeo "Más dura será la caída" (1956) de Mark Robson suponen los últimos títulos de una filmografíí intachable en la que se podrían citar todos los títulos porque la presencia de este hombre en la pantalla es el CINE mismo.

DENNIS HOPPER (1936 - 2010)

Ha muerto uno de los iconos del siglo XX del cine, el actor y director Dennis Lee Hopper. Sus apariciones míticas en cintas como Gigante,
Rebelde sin causa, Apocalypse now, Blue Velvet o en Easy Rider, donde también debuto como director, han sido referencia del mundo del cine y donde se atrevió con otras disciplinas notablemente, como la fotografía entre otras. Muere uno de los actores de carácter de la segunda parte del siglo XX, carácter que le llevó a pronunciarse políticamente en un país donde tener según qué ideas o pensamientos puede hacerte perder contratos de trabajo. Con el adiós a Hopper también decimos adiós al estandarte de la contracultura que tanto tuvo que ver con los años 60. Easy rider vista desde hoy parece una película poco interesante, pero en su contexto tuvo la importancia que tuvo, que no fue poca.